CINE DE MEDIANOCHE

LA MUERTE ERA SU JUEGO

2012-01-21T23:13:00.036+01:00

T.O: Bobbie Jo and the Outlaw
AKA: Il mondo violento di Bobbie Jo ragazza di provincia
Director: Mark L. Lester
Año: 1975
País: USA
Guión: Vernon Zimmerman
Música: Barry DeVorzon
Actores: Marjoe Gortner, Linda Carter, Jesse Vint, Belinda Balaski, Gene Drew+IMDB

Nuestro cine Clasificado "S" acogió una serie de cintas norteamericanas que años atrás fueron carne de Drive-In y de los hoy tan en boga grindjáus. PERROS RABIOSOS (I drink your blood, David E. Durston 1970), LA VIOLENCIA DEL SEXO (Day of the woman, AKA I Spit on Your Grave, Meir Zarchi 1978), LA PANDILLA MALDITA (Brute Corps, Jerry Jameson 1972), LA ÚLTIMA CASA A LA IZQUIERDA (Last house on the left, Wes Craven 1972), LA NIÑA (The child, 1977), ZOMBI (Dawn of the dead, George G. Romero 1976), y la que nos ocupa, LA MUERTE ERA SU JUEGO (Bobbie Jo and the Outlaw, Mark L. Lester 1975), fueron algunos de esos títulos estrenados en España varios años después de hacerlo en su país de origen.

Bobbie Jo (Linda Carter) es una atractiva joven que trabaja en una hamburguesería mientras sueña con ser cantante de country. Un día Bobbie conoce a Lyle Wheeler (Marjoe Gortner), admirador de los más famoso forajidos del Far West, en especial de Billy el Niño; entre Bobbie y Lyle surge un tórrido amor a primera vista. Ambos emprenden un violento viaje a través de Nuevo México en un Mustag Grabber robado color naranja...

Al saberse perseguidos por Pat Garret, perdón, el Sheriff Hicks (Gene Drew) piden ayuda a Pearl (Merrie Lynn Ross), hermana de Bobbie, y a su novio-chulo Slick (Jesse Vint), un macarra con ataques psicóticos. Sin embargo la cosa se complica aun más cuando Slick les involucra en un asesinato. Los cuatro huyen juntos en una carrera criminal por el suroeste del país, uniéndose también Essie (Belinda Balaski), la mejor amiga Bobbie Jo.

Una variente explotativa de BONNIE AND CLYDE y también de PAT GARRET Y BILLY THE KID; con desiertos, polvo, polvos, tetas, peyote, duelos al estilo western, duelo de pinball, sangre a borbotones, tiroteos, persecuciones, explosiones... Hace poco ya hice referencia a esta película en la reseña de otra peli protagonizada por Marjoe Gortner LA VENGANZA DE RED RYDER, donde encarna otro papel de outsider fronterizo, algo diferentes pero con finos hilos que los une. Por ejemplo, ambos personajes idolatran a los pistoleros del lejano Oeste; en LA VENGANZA DE RED RYDER Gortner asegura que aprendió trucos con el revolver viendo a Gregory Peck interpretar a Jonny Ringo en EL PISTOLERO (The Gunfighter, Henry King 1950); mientras que en LA MUERTE ERA SU JUEGO Gortner es desafiado a duelos debido a la temible fama que ha adquirido, al igual que Peck-Ringo en la peli de Henry King.

Confabulaciones cinéfagas aparte hay que decir que LA MUERTE ERA SU JUEGO es sobre todo una estimable exploitation movie, hija de su tiempo, los violentos 70 , pero con singularidades que la hacen toda una delicatessen, empezando por su director, Mark “Curso 1984” Lester y terminando en las tetas de Linda “Wonder Woman” Carter.

Cuatro momentos memorables:
1.VIAJE CON PEYOTE EN EL LAGO DEL INDIO JAMUJA

2.DUELO

3.¡A DEGÜELLO!

4.PARA MEMORABLE LINDA

ALGUNOS DATOS Y CURIOSIDADES
-En España recibió la clasificación "S" para su exhibición en salas y recaudó 16.197.145 persetas (97.346,80 euros).

-Los nombres Bobbie y Lyle de la pareja protagonista nos remite claramente al de los famosos forajidos Bonnie y Clyde, llevados al cine por Arthur Penn en 1967.

- LA MUERTE ERA SU JUEGO fue editada en vídeo en España por MAJOR VIDEO. Esta edición NO es UNCUT.

-Linda Carter fue LA MUJER MARAVILLA en la serie de televisión WONDER WOMAN (1975-1979). Tal vez su personaje más recordado.

-A Merrie Lynn Ross (la hermana de Bobbie) la volvimos a ver en el gran clásico del directo CURSO 1984 (Class of 1984).

- Essie Beaumont (la amiga de Bobbie Jo) es Belinda Balaski, una enorme actriz de carácter, íntima amiga en la vida real de Marjoe Gortner, con el que volvió atrabajar un año después en EL ALIMENTO DE LOS DIOSES y actriz fetiche del gran Joe Dante, con el que ha trabajado ¡en 12 películas! PIRAÑA, AULLIDOS, GREMLINS y GREMLINS 2, AMAZONAS EN LA LUNA, MATINEE o PEQUEÑOS GUERROS son algunos de esos títulos. Belinda Balaski es el equivalente femenino de Dick Miller en el universo Dante.
Reseña escrita por: Gerar f. Ordel
**************************************
-LOBBY CARDS:

-AFICHES, COVERS, POSTERS...

-MÁS IMÁGENES DEL FILM

-TRAILER:

LA REINA DE LOS BÁRBAROS

2012-01-18T18:37:00.006+01:00

T.O: La regina dei tartari
AKA: La reina de los tártaros
Director: Sergio Grieco
Año: 1960
País: Italia-Francia
Música: Bruno Canfora
Actores: Chelo Alonso, Folco Lulli, Jacques Sernas, Philippe Hersent, Raf Baldassarre, Piero Lulli+IMDB

El género peplum se estaba desarrollando en Italia a finales de los años cincuenta y podría decirse que en 1960 había alcanzado tal apogeo que sus creadores comenzaron a plantearse diversas mutaciones y traslaciones de escenarios y paisajes, y siguiendo con los mismos esquemas de héroes musculosos, batallas sangrientas y bellas mujeres que suelen danzar al son de una exótica melodía, buscaron nuevos horizontes para reinventar el género.

En este contexto, el director artesanal italiano Sergio Grieco, que posteriormente será mucho más conocido en el cine Euro Spy con el seudónimo de Terence Hathaway, y aprovechando el inminente estreno de “I tartari”, una película en la que participa Victor Mature y Orson Welles, nos conduce en 1960 a la Europa central para contarnos la historia de Tania (Chelo Alonso) que en su niñez ha sido salvada de la muerte y cobijada por el jefe de una tribu de tártaros (o hunos en según que versión) (Folco Lulli), y que es adiestrada como un guerrero más hasta que pueda ponerse al frente del ejército de bárbaros, y vencer al enemigo antológico de estos, Malok (Jacques Sernas) y ella aporta a la tribu, tanto valor, como belleza e inteligencia, ya que su alianza con este feroz enemigo que sin embargo la atrae físicamente como hombre, se verá recompensada no sólo en el amor, sino en la conquista de una mítica ciudad fortaleza de fabulosos tesoros custodiada por potentes cañones.

Un “peplum” que como se puede ver es diferente, donde la mujer adquiere un papel protagonista y tiene tintes feministas y sensuales a pesar de contar un vestuario hecho con corazas llenas de cuernos y vestidos repletos de pelos de jabalíes.

Interpretada por magníficos actores, la película reunía de nuevo a Chelo Alonso, Folco Lulli y Jacques Sernas después de que los tres se conocieran en “Bajo el signo de Roma” dos años atrás, y era la tercera película que Sernas rodaba como protagonista para Sergio Grieco, tras “Pia de Tolomei” en 1958 y “Le notti di Lucrezia Borgia” (1959).

La película editada en España y Suramérica en VHS, su salida al mercado en DVD sigue pendiente, y un servidor dispone de una buena copia en italiano porque la Filmoteca de Roma tuvo a bien de enviársela a través de la distribuidora MOVIE TIME.

“La reina de los tártaros” se convierte en un título diferente, sugestivo y apasionante para todos aquellos que amamos y seguimos amando el cine italiano “histórico mitológico” cuyas historias únicamente pudieron existir en las pantallas del celuloide.
Reseña Escrita por: Antonio Domínguez
Review: Versión en italiano/ Italian version
*********************************************
MÁS IMÁGENES DE LA REINA DE LOS BÁRBAROS/AKA LA REINA DE LOS TÁRTAROS:

***********************************************
-AFICHES Y CARTELES

EL MARAVILLOSO MUNDO DEL SEXO

2012-01-17T19:16:00.011+01:00

T.O: El maravilloso mundo del sexo
(El kamasutra de Susana Estrada)
Director: Mariano V. García
Año: 1978
País: España
Música: Cam Española
Actores: Susana Estrada, Richard Yestarán, Verónica Miriel, Miguel Angel Godó, Fabián Conde+IMDB

A pesar de que sólo cuenta con dos títulos clasificados "S", y que su carrera cinematográfica no es ni mucho menos abundante, a años luz de otras compañeras, Susana Estrada será por siempre uno de los nombres claves del llamado "destape" y uno de los mayores símbolos eróticos en la historia de España. No era las más guapa ni la más atractiva, pero sí la auténtica pionera y la más polémica en unos tiempos en que España estaba aun sexualmente encerrada.Todos los respetos para esta musa de la transición...

Los tres propietarios de la agencia matrimonial "GORRIONES SIN NIDO: AGENCIA SOCIO-SENTIMENTAL" se hacen pasar por clientes de la misma para embaucar a tres mujeres. Los seis se reunen en una cita concertada que tiene lugar en el mismo despacho de la agencia. Allí deciden romper el hielo proyectando una cinta de educación sexual donde se muestran las diferentes posturas del Kamasutra.

Después de algunos títulos como LA TRASTIENDA (1975), EL LIBRO DEL BUEN AMOR (1975) o EL JOVENCITO DRÁCULA (1977), Susana Estrada se estrena como protagonista absoluta en 1978 con EL MARAVILLOSO MUNDO DEL SEXO. La película es una combinación de comedia absurda y el cine de educación sexual. Nuestra protagonista interpreta dos papeles diferentes, el de una de las chicas que acude a la cita y el de la actriz que ejecuta "las posturas del amor" en la cinta que visionan las tres parejas.

El partenaire de Susana Estrada es ni más ni menos que Richad "Supersonic Man" Yestarán, actor del que ya se habló más extensamente en la primera parte del dossier de tarzanes españoles. Yestarán aperece completamente en pelotas y realiza todas las posturas del Kamasutra junto a la erótica gijonesa, la cual, por cierto, desempeña esta empresa con un pelito corto rizado, un poco estilo afro, que le favorece sobremanera.

El final de la peli es en un auténtico desmadre, una gran orgía en la que terminan involucrados todo el equipo técnico y artístico que supuestamente está rodando EL MARAVILLOSO MUNDO DEL SEXO.
Estrenada un 9 de octubre de 1978 bajo anagrama "S", esta película recaudo la nada despreciable cantidad de 73.099.787 pesetas (439.338,57 euros).
Reseña escrita por: Gerard f. Ordel

INTERLUDIO MUSICAL: BLUE SUNSHINE

2012-01-13T13:17:00.012+01:00

De la peli de Jeff Lieberman BLUE SUNSHINE (1978), una epopeya de furia homicida y LSD, rodada después de GUSANOS (1976) y anterior a PÁNICO ANTES DEL AMANECER (1981), los dos clásicos de referencia del director...

LA VENGANZA DE RED RYDER

2012-01-11T13:41:00.004+01:00

T.O: When you comin´ back, Red Ryder?
Director: Milton Katselas
Año: 1979
País: USA
Música: Jack Nitzche
Actores: Marjoe Gortner, Candy Clark, Peter Firth, Stephanie Faracy, Hal Linden, Lee Grant +IMDB

LA TREMENDA INTENSIDAD QUE LLENABA LAS CRÓNICAS DELIRANTES DEL ÉXITO ALCANZADO POR LA OBRA DE TEATRO "WHEN YOU COMIN´ BACK, RED RYDER" HA SIDO TRASLADADA A LA PANTALLA EN UN INTENSO DRAMA CINEMATOGRÁFICO, QUE NOS TRAE A LA MEMORIA PELÍCULAS QUE HAN MARCADO UN HITO, COMO "EASY RIDER" Y "THE LAST PICTURE SHOW". PARA MUCHA GENTE EL TERROR DE ORIGEN INTERNO ES MUCHO PEOR QUE CUALQUIER FUERZA EXTERNA QUE PUEDA SORPRENDERLE.
(comentario promocional-STORK VIDEO-)

Teddy (Marjoe Gortner), ex-combatiente en Vietnam, atraviesa la frontera Mexico-U.S.A junto a su novia Cheryl (Candy Clark), en una furgoneta cargada de cocaína. Pasan la aduana sin mayores problemas con la policía... salvo un tacto rectal algo desagradable. Una vez en suelo estadounidense se les estropea la furgoneta en un tranquilo y polvoriento pueblecito. La pareja se refugia en un restaurante de comida rápida mientras esperan un recambio para su vehículo, el cual han dejado en la gasolinera de al lado . En el local hay un par de jóvenes empleados (un chico y una chica), un hombre mayor dueño de la gasolinera y un matrimonio de mediana edad que se encuentra de paso; Teddy convierte la vida de todos ellos en un infierno cuando empieza a desarrollar su mejor arte: la tortura psicológica y el dolor físico.

LA VENGANZA DE RED RYDER es ante todo una peli a recuperar del olvido, a pesar de que fue estrenada en los cines de España en el ya lejano febrero de 1980. Sin duda una obra de culto absoluto y con un inolvidable Marjoe Gortner en el papel de psicopático desarraigado traficante de drogas; una especie de John Rambo lisérgico y tarambana, con cara de cínico loco y ricitos de oro.

Marjoe Gortner también tragó polvo protagonizando pocos años atrás otro pequeño clásico de la América violenta titulado LA MUERTE ERA SU JUEGO (Bobbie Jo and the Outlaw, Mark L. Lester 1976), amen de otros títulos de culto conocidos por todos como son EL ALIMENTO DE LOS DIOSES (1976) y STAR CRASH (1978).

La primera parte de la película nos presenta a los personajes por separado antes de reunirlos a todos en un microcosmo dramático; algo, que por cierto, se pondría de moda muchos años después a raíz de Pulp Fiction y que desde la peli de Tarantino se sigue explotando hasta nuestros días sin la menor gracia. El perfil que se va dibujando en la película de cada uno de estos personajes es realmente magnífico...

... La acción se sitúa en 1968, al son de un corrido mexicano con Cheryl completamente desnuda lavándose debajo de un árbol mientras Teddy la observa desde una montaña. En el otro lado de la frontera conocemos a Stephen Ryder, un joven que trabaja en el pequeño restaurante pero que se hace llamar Red, como un personaje de ficción, el cowboy Red Ryder; tal vez porque odia su vida en el pueblo y le gustaría haber nacido en otro lugar.

Con Stephen trabaja Angel, una joven gordita y algo cándida que está enamorada de él, amor que no es correspondido. Sin embargo ésta si encuentra cariño y algo más en el viejo propietario de la gasolinera. Al pueblo llega una acomodada pareja con la mujer en plena crisis de identidad.

Destacar también la música, que incluye el tema de "EL BUENO, EL FEO Y EL MALO", en una escena sorprendente porque realmente no te esperas escuchar ahí la mítica melodía de Morricone.

Luego está esa estética que (salvando las distancias por favor, pero ahí anda) nos recuerda a las pelis fronterizas y polvorientas de Peckinpah, aunque también pasa por las películas setenteras de venganza post-traumática, hasta llegar, retrocediendo en el tiempo, a humillaciones más "teatralizadas" como aquella peli de Martin Sheen de mediados de los 60 titulada EL INCIDENTE, con la que LA VENGANZA DE RED RYDER guarda algunas similitudes.
Reseña escrita por: Gerard f. Ordel
MÁS IMÁGENES DE LA ENGANZA DE RED RYDER

SELECCIÓN DE TRAILERS VARIADOS, BONITOS, TREMEBUNDOS, LOCOS, IMPOSIBLES Y ALUCINADOS PARA IR ENTONANDO EL NUEVO AÑO.

2012-01-02T23:54:00.045+01:00

Nueve trailers cuidadosamente seleccionados por medio del famoso método del arrebato zambombero y el polvorón demencial; combinación onanista y puteril sólo recomendada en casos como el que nos ocupa.
CINE DE MEDIANOCHE presenta...

---------------------------
-FESTIVAL TRAILERO 2012-
-----------------------------

-MANÍA (1974)

*****************************

-LILA (1968)

***********************************

-FEMINA RIDENS (1969)

******************************

-FENÓMENOS SANGRIENTOS (1972)

*****************************

-AMOR Y MUERTE EN EL JARDÍN (1972)

*******************************

-MAD DOG MORGAN (1976)

**************************

-ADIÓS TÍO TOM (1971)

**************************************

-PÁNICO EN LA ISLA (1975)

*************************************

-EL JUEGO DEL DIABLO (1975)

******************
FELIZ AÑO A TODOS
******************

LOS HIJOS DEL DÍA Y DE LA NOCHE

2011-12-29T23:52:00.010+01:00

T.O: La banda J.S.: Cronaca criminale del Far West
Akas: Sonny and Jed
Director: Sergio Corbucci
Año: 1972
País: Italia-España
Música: Ennio Morricone
Actores: Tomas Milian, Susan George, Telly Savalas, Eduardo Fajardo, Rosanna Yanni, Werner Pochath,
Dan Van Husen, Laura Betti, Álvaro de Luna+IMDB

Sergio Corbucci (1927 - 1990) fue uno de los mejores directores italianos que realizó spaghetti westerns; el tercer Sergio en importancia para mí después de Sergio Leone y de Sergio Sollima. En los muchos westerns que realizó, el director tuvo la habilidad, y también la osadía, de intentar componer un esbozo argumental y narrativo completamente diferente a las películas del género que había realizado anteriormente.

En el caso de “Los hijos del día y de la noche”, mejor su título original en italiano “Jed and Sonny. Cronaca criminale del Fart West”, rodada en 1971 con una coproducción entre Italia, España y Alemania, su argumento está inspirado en la pareja criminal de Bonnie and Clyde, aunque si bien ha sido el motivo más recordado de esta película, los pequeños atracos y golpes quedan como un decorado en el gran tema que presenta aquí Sergio Corbucci: un spaghetti western, cuyo eje central es el descubrimiento, análisis y desarrollo del amor entre una mujer (casi una víctima del “síndrome de Estocolmo”) y su raptor, un hombre salvaje, con instintos primitivos y que poco a poco irá descubriendo la fuerza de los sentimientos.

Jed Trigado (Tomas Milian) es un bandido muy particular, con un físico entre desaliñado, sucio y salvaje que roba a los ricos y que es perseguido sin tregua por el sheriff Franziskus (Telly Savalas). Un día le tienden una celada en un pueblo, aunque logra escapar ayudado por Sonny (Susan George), una chica, también semi salvaje que acaba de perder a su padre, el enterrador del lugar, a quien lleva en un ataúd para darle sepultura, pero que finalmente deja libre el hueco para esconder en la caja a Jed.
Cuando Jed se ve libre, desprecia a Sonny, que le sigue a todas partes, porque se ha enamorado de él, aunque Jed prefiere siempre su primitiva libertad, tanto en gestos brutales como en actos físicos, no quiere atarse a ninguna mujer.

Una emboscada que le tiende Franziskus en un establo donde están durmiendo, obliga a Sonny a aprender a disparar y, aunque entre los dos consiguen escapar, el pajar sufre un incendio donde Franziskus, quemado por las llamas, se queda ciego.

Ahora, la pareja de bandidos, cuya recompensa ha ascendido algunos miles de dólares, se casan en un Iglesia, y su primer atraco lo realizan precisamente con el cura que los ha unido en matrimonio. A partir de aquí, comienzan una carrera criminal cometiendo toda clase de atracos a Bancos y Saloons y su cotización va en aumento, así como su amor, el cuál también Jed tiene ocasión de descubrir, acurrucado por el frío para dormir con ella, y acariciándose, primero la nariz, luego dándose pequeños besos y finalmente con toda su pasión, “comiéndose” entre ellos.
Pero Jed no puede olvidar su añorada libertad de soltero y en una fiesta social se viste de gala, a pesar de los celos de Sonny, porque baila y luego rapta a Lidia (Rosanna Yanni), la mujer de Garcia (Eduardo Fajardo), el cacique local, quien lo persigue con su banda de pistoleros, donde no falta tampoco Franziskus, que aunque ciego, pero con un oído extremadamente afinado, consigue atrapar a Jed, y…

La película rodada en España y repleta de actores españoles secundarios como Victor Israel, Lorenzo Robledo, Alvaro de Luna, José Canalejas, Simón Arriaga; o internacionales como el gran Dan Van Husen (que realiza un pequeño papel como un cazador de recompensas que termina siendo atrapado y conducido al pueblo con el pie atado a su otro compañero), tiene aciertos y altibajos y no termina de convencer si la comparamos con los otros westerns realizados por Sergio Corbucci (le falta esa violencia cruel, y le sobra algo de comicidad), pero este factor es debido a un guión enrevesado donde han participado mucha gente: Sebatino Ciufini, Michael Haller, José María Forqué, el propio Corbucci, y, para mí el causante de la parte más desaguisada de la película, Mario Amendola, que debe ser el responsable de las escenas más atolondradas del film, rodadas casi a cámara rápida para poner un punto casi cómico en el relato (puntualicemos que está rodada en la época donde triunfaba “Le llamaban Trinidad” y el western casposo).

De otro lado podemos contemplar una hermosísima fotografía debida al gran Luis Cuadrado (el fotógrafo de Carlos Saura), con unos planos de paisajes y atardeceres espectaculares; y también el análisis que va haciendo Sergio Corbucci del amor en la pareja, ese amor, convertido primero en posesión, y que también es un amor casi a primera vista de Sonny hacia su “hombre” (un Tomas Milian llevado esta vez a un paroxismo muy grotesco de su personaje de “Cuchillo” de “El halcón y la presa”), y que tiene como cumbre esa escena pausada, comedida y estupenda donde los dos, comienzan con besos y caricias en la cara y la nariz, y acaban amándose apasionadamente. Escena muy, pero que muy buena.

Destacar finalmente la música de Ennio Morricone, con un tema de banjo para la historia aventurera de la pareja, y otro tema de armónica, sensual, dominante y que “in crescendo” va introduciendo el factor de la pasión entre ellos dos.
Sin ser de los mejores westerns rodados por el gran Sergio Corbucci, “Los hijos del día y de la noche” (espantoso título español para esta interesante crónica criminal en el Oeste) resulta una película digna de volver a ver y revisar.
Reseña escrita por: Antonio Domínguez
Review: Versión en italiano/ Italian version
*********************************************

BERYL CUNNINGHAM

2011-12-27T18:18:00.009+01:00

BERYL CUNNINGHAM
(por Mark B. Anstendig)

Beryl Cunningham fue una de los muchos artistas negros que fueron capaces de hacerse un hueco en Europa en un momento en que en los EE.UU era casi imposible o, cuando menos, desagradable.
Beryl y otros muchos artistas de su raza fueron aceptados y tratados por igual en la mayor parte de Europa. Incluso disfrutó de cierto privilegio debido a su color, para el que los europeos de aquella época tenían poco o nada de prejuicios.
Beryl pasó bastante tiempo en Berlín. Nos conocimos en el Edén Bar, junto con muchos otros amigos negros de ella que también me pedían hacer sus retratos. Llegó a tener un cierto éxito en el cine italiano, en buena parte debido a mis fotos. Esta foto que encabeza el comentario es absolutamente magnífica, es verdaderamente una de mis favoritas...

*************************************

-FILMOGRAFÍA SELECTA-
1969
*Tarzana, sesso selvaggio (Guido Malatesta)
*Le salamandre (Alberto Cavallone)
*Así de dulce, así de maravillosa (Umberto Lenzi)
1970
*El retrato de Dorian Gray (Massimo Dallamano)
*Asesinada ayer (Duccio Tessari)
*Concierto para pistola solista (Michele Lupo)
*El dios serpiente (Piero Vivarelli)
1971
*Quickly, spari e baci a colazione (Alberto Cavallone)
1972
*El decamerón negro (Piero Vivarelli)
1979
*La isla de los hombres peces (Sergio Martino)
1983
*El exterminador de la carretera (Giuliano Carnimeo)
*************************

-VÍDEOS-

*************************

-GALERÍA FOTOGRÁFICA-

*****************************
FIN
*****************************

-Filmografía y fotos: G f.Ordel

WHITE POP JESUS

2011-12-25T17:13:00.008+01:00

Título original: White Pop Jesus
Akas: El profeta pop/Y le llamaban Jesús
Director: Luigi Petrini
Año: 1980
País: Italia
Música: Bixio-Tempera-Mandolesi
Actores: Awana Gana, Stella Carnacina, Gisela Hahn, Gianni Magni,Tony Schneider +IMDB

Un hombre (Awana Gana) que dice ser el hijo de Dios sale del sanatorio mental donde estaba recluido. Pronto conoce a Lattuga Pop (Stella Carnacina), la sobrina del comisario Vito Ragione (Gianni Magni), la cual está acosada por los gangsters del capo mafioso Play Boy Smith (Crippy Yocard)...

... Lattuga (lechuga en italiano) se enamora del Mesías, lo sigue a todas partes e incluso, pese a ser rechazada una y otra vez, se insinúa sexualmente a la mínima oportunidad. No será la única que se une a él; más jóvenes "groupies" le seguirán, también un peculiar Gabriel (Tony Schneider ) y dos monjas terroristas reconvertidas para la causa. Una de sus más aventajadas discípulas es Stella (Gisela Hahn), que acabará resultando la Judas de esta historia. Nuestro Jesucristo y su séquito entran triunfantes en la ciudad de Tarento, mientras el comisario Ragione y la banda de Play Boy Smith intentan atraparlo.

Jesucristo en pleno Siglo XX, que después de salir de un manicomio aparece en una playa vestido completamente de blanco (¿?) y que se muestra triste y apesadumbrado por las cosas que va encontrando en el camino. A partir de aquí muchos simbolismos, como esa banda de mafiosos que representa la violencia de nuestros días, o los ineptos policías que pretende ser reflejo de una justicia ridícula. Para él el mundo moderno es una especie de gran Sodoma y Gomorra en infinita decadencia.

WHITE POP JESUS es el Jesucristo Superstar del eurotrash.... un delirio discotequero bailongo y surrealista.... opereta de la sinrazón... Bollywood pasado por el tamiz del bizarrismo italiano... ¿Cómo explicar esta obra sinigual de religión, mafia, drogas, bailes, humor bufo y colorines? Un musical donde Jesucristo se pasea entre hippies, yonkis y traficantes: el hampa ataca, la policía responde y Jesús baila. Los drogadictos se meten el pico en cuevas del averno que parecen iluminadas por el mismísimo Mario Bava, mientas una mujer se convierte en jeringuilla y un camello tienta al mesías esnifando cocaína. Y da igual que no te guste el cine musical porque esto es ver y flipar. Italo-Disco y Trash ¡yo quiero más! !FELIZ NAVIDAD!

DATOS-CURIOSIDADES:
En España se editó en vídeo con tres títulos diferentes: WHITE POP JESUS, Y LE LLAMABAN JESÚS y EL PROFETA POP. No se estrenó en salas de cine.

Está protagonizada por un tal Awana Gana, que sólo tiene esta peli como actor, pero que por lo visto es bastante popular en Italia y sobre todo en Mónaco, donde aun sigue luciento palmito y animando saraos. Las malas lenguas dicen que si chupas su pelo delante de un espejo se te aparece un elefante rosa.

De las actrices destacar a la alemana Gisela Hahn que aparecía en pelis tan epatantes como LE LLAMABAN TRINIDAD (1979), CUANDO LOS HOMBRES USABAN CACHIPORRAS Y LAS MUJERES HACÍAN "DING DONG" (1971), EXPERIENCIAS SEXUALES EN EL INTERNADO (1976), CONTAMINACIÓN: ALIEN INVADE LA TIERRA (1980) o EL CANÍBAL (1980).
Reseña escrita por: Gerard f. Ordel
********************************************
MÁS IMÁGENES DE WHITE POP JESUS:

DIABOLIK

2011-12-21T23:01:00.004+01:00

Título original: Diabolik
Aka: Danger: Diabolik
Director: Mario Bava
Año: 1969
País: Italia-Francia
Productor: Dino De Laurentiis
Actores: John Phillip Law, Merisa Mell, Michel Piccoli, Adolfo Celi, Renzo Palmer, Caterina Boratto+IMDB

“Visto el pésimo uso que hace el Gobierno del dinero público, procuraré que en el futuro no pueda disponer de él. Firmado: DIABOLIK. (a continuación hace saltar por los aires el edificio de Hacienda)”

Las hermanas Angela y Luciana Giussani, creaban en 1962 el “fumetto” “Diabolik” que obtenía un éxito multimillonario en Italia, y hacía famosísimo a su personaje, un delincuente, casi un terrorista, que robaba sólo a los ricos y mantenía en jaque al Estado, pero, en lugar de repartirlo con los pobres, se lo quedaba todo para él, guardándolo en su refugio subterráneo que estaba dotado con trampas de última tecnología para compartir dinero y sexo con su novia Eva Kant.

Los “fumetti” (palabra italiana basada en “fumo” (humo), que significa algo así como “pequeñas nubes de humo”; esto es, diminutas visiones encuadradas en viñetas ilustradas, que en la mayoría de los casos, lo que determinaba su éxito era debido a la extrema crueldad y sadismo del héroe que aplicaba técnicas mortales para conseguir sus objetivos. Así Diabolik era experto en lanzar y matar con el cuchillo, como también en la utilización de todo tipo de drogas y venenos.

En 1967, Dino de Laurentiis que había comprado los derechos a las hermanas Giussani para llevar al cine este proyecto y contrataba al director Tonino Cervi para hacer la película, quien iniciaba el rodaje con Jean Sorel en el papel de “Diabolik” y Elsa Martinelli como “Eva Kant”, pero a la semana, después de ver lo filmado, con una mayor parte de sesiones fotográficas que no tenían demasiada calidad, el productor despide a todos, decidiendo que el proyecto debía contar con un mayor presupuesto y una distribución de Paramount a nivel internacional, por lo que asigna 3.000.000 de dólares a la película y le da la dirección a Mario Bava, ofreciendo también el personaje a John Philip Law, que se encontraba rodando en ese tiempo “Barbarella” (como el ángel Pygar), y pensando en la actriz Catherine Deneuve como Eva Kant, ya que Marilu Tolo, había sido descartada; pero también Mario Bava en poco tiempo se deshace de Catherine Deneuve, porque ella se niega a dar más verosimilitud a las escenas eróticas y también porque su altura queda ridícula comparada con la de John Philip Law, y contrata a la austríaca Marisa Mell, que será la compañera perfecta de “Diabolik”, consiguiendo esta pareja una química fuera de lo común en las escenas de besos y tocamientos, que demuestran lo de a gusto que estuvieron juntos en esta película, y así Mario Bava, inspirándose en tres “fumetti” del personaje (“Lotta disperatta”, “L’ombra della notte” y “Sepolto vivo!”), lleva al cine en Abril de 1967 esta producción, que será objeto de múltiples alabanzas económicas, al utilizar Mario Bava únicamente del presupuesto, 400.000 dólares, devolviendo a De Laurentiis el resto.

Este productor aunque intentó utilizar el dinero sobrado para hacer una segunda parte, desistió ante la negativa de Mario Bava, que argumentó una enfermedad imaginaria para firmar el contrato, pero también el rechazo fue debido al fracaso de las expectativas en su estreno, ya que el “badget” conseguido en taquilla no fue excesivo, ni tampoco las críticas fueron demasiado positivas, ya que muchos críticos defenestraron la película catalogándola de banal y alimenticia, mientras que otros (incluido Cahiers du Cinema) alabaron el gran genio de Mario Bava al trasladar al cine, el universo del cómic, porque conseguía una obra de un gran espacio intemporal, hecha con una gran fantasía y con unos encuadres mágicos repletos de efectos especiales anamórficos, donde el color visual era plenamente atractivo, en una de las películas claves del “pop art”, la “psicodelia” y el “futurismo” de los años sesenta.

Diabolik (John Philip Law) roba diez millones de dólares ante las narices del inspector Ginko (Michel Piccoli), escapando con su jaguar negro, hasta alcanzar en un tunel a su novia Eva Kant (Marisa Mell), que lo espera con su jaguar blanco, y juntos huyen a su refugio subterráneo donde hacen el amor en una cama psicodélica forrados y tapados por el montón de dólares que han desparramado allí.

El Ministro del Interior (Terry-Thomas) anuncia por televisión el restablecimiento de la Pena de Muerte, y el inspector Ginko ordena una gran redada a la Mafia, por lo que el gangster Ralph Valmont (Adolfo Celi), pacta con la policía la captura y entrega de Diabolik, pero éste ha decidido regalar por su cumpleaños un collar de esmeraldas a su novia, y se lo roba a Lady Clark (Caterina Boratto), escalando la torre de su castillo y burlando de nuevo a la Policía, a la que hace creer que ha escapado lanzado por una catapulta hacia el mar.

Diabolik, como protesta por el despilfarro que hace el Gobierno del dinero público, dinamita y explota todos los edificios que recaudan impuestos, por lo que crea una crisis económica sin precedentes que obliga al Ministro de Economía salir en TV para pedir a los ciudadanos que paguen de inmediato sus impuestos. Como esto provoca en la población más risa que otra cosa, el Estado decide fundir todas sus reservas en un gran lingote de oro de varias toneladas de peso que no pueda ser robado por Diabolik, pero…

Lo primero que llama la atención de este gran “divertimento” es el magnífico trabajo del realizador Mario Bava, que propone continuos “encuadres” para homenajear las “viñetas ilustradas” (la imagen de ellos en el retrovisor del coche; la tortura de Eva vista a través de los barrotes de la cama; la cámara que se encuentra detrás de espacios cuadrados en las escenas de la banda de gangsters, etc…). Hay que mencionar además la interpretación de John Philip Law que recrea el personaje con movimientos mecánicos, y también con sus ojos, que muchas veces quedan estáticos, y que es lo único visible porque va literalmente forrado con una máscara-vestimenta negra (creada por Carlo Rambaldi) que le cubre su cara y su cuerpo.

La música de Ennio Morricone, que utiliza la voz de Edda dell’Orso en melodías sensuales, pero también orquesta con multitud de trompetas para dinamizar la acción, así como el uso apropiado del sytar para enmarcar el carácter fantástico y misterioso de Diabolik, está acorde con la calidad de toda la película, y Morricone no olvida crear un genérico (“Deep Down”) que canta Christy en la versión single de vinilo 45 que salió en su día. Es un trabajo del compositor realizado con su equipo colaborador de los años sesenta, donde no falta ni el coro de “I cantori moderni” de Alessandro Alessandroni (también presente en algunos temas musicales), ni la experta batuta de Bruno Nicolai. Lástima que el master musical se perdiera en un incendio, y no pueda ser recuperado, teniéndonos que conformar los coleccionistas con la música que ha quedado registrada en la película.

Mario Bava, se divierte a lo grande, filmando un personaje malévolo que lucha contra un Estado que parece idiota y malvado, al que burlará una y otra vez, para lucir una película destacada en su producción, y que el tiempo ha revalorizado como se merece, ya que, aunque logró pasar la censura en su momento, tuvo muchos problemas con la distribución, porque en Inglaterra se estrenaba en 1969 con 14 minutos cortados, y la escena de la juventud consumiendo droga e insinuando prácticas de sexo, era eliminada en muchas versiones, a pesar de que Bava había retratado a la Mafia como la autora perversa de esta juventud degenerada.

No se puede negar una gran admiración por Mario Bava, que rodaba escenas fabricadas con el dibujo de una casa fotografiada en una caja de cerillas, que recortaba y luego pegaba en un cristal, filmándolo a continuación y añadiéndolo a la imagen; así como las espectaculares imágenes cromáticas de la galería subterránea del refugio de Diabolik, donde no hay absolutamente nada de nada en los decorados, y todo está dibujado luego sobre lo filmado; es una habilidad que supera con creces los efectos especiales hechos hoy en día por ordenador, que los coleccionistas y devotos del Séptimo Arte debemos al gran genio que fue Mario Bava para que ocupe el lugar que merece en la Historia del Cine.
Reseña escrita por: Antonio Domínguez.
Review: Versión en italiano/ Italian version
**************************************************
MÁS IMÁGENES DE DIABOLIK:

LA ISLA DE LAS VÍRGENES ARDIENTES

2011-12-17T21:28:00.028+01:00

Título original: La isla de las vírgenes ardientes
Akas: L'île des filles perverses;
Wild Women; Naked Killers.
Director: Miguel Iglesias Bonns
Año: 1978
País: España
Productora: Circulo Films S.A.
Actores: Sita Sadafi, Inca María (Inka Maris), Roxana Dipre, José Riesgo, Luis Induni, Antonio M. Rojo+IMDB

En una ignota isla del pacifico vive Yamamoto, un oficial japonés que durante la segunda guerra mundial arribó al lugar después de que su barco fuera hundido por un avión de combate americano. Yamamoto, que custodia el tesoro del emperador nipón que transportaba, no está solo en la isla, con él conviven tres muchachas a las que instruye duramente en el arte de la guerra, convirtiéndolas en "soldados del emperador y defensoras del tesoro". Estas tres amazonas, que corretean semi desnudas por la isla en pleno despertar sexual, fueron encontradas por Yamamoto hace veinte años, cuando eran unas niñas, en un barca a la deriva tras sobrevivir a un accidente aéreo...

... Los cuatro, aislados de la civilización, piensan que el mundo continua en guerra, y temen el ataque del enemigo. Hasta que un día llega a la isla un grupo de buscadores de tesoros sin escrúpulos, que darán a conocer a las tres jóvenes el lado más oscuro del ser humano.

La Costa Brava se convierte en una paradisiaca isla del Pacífico en esta curiosa cinta rodada en plena fiebre "S", pero con un transcurrir más propio de cine de aventuras que de una película softcore al uso. El director Miguel Iglesias Bonns adereza la trama con sugerentes escenas de sexo lésbico y violaciones.

La peli, que sorprendentemente sólo obtuvo la clasificación MAYORES DE 18 AÑOS, fue el paso previo del director Miguel Iglesias Bonns antes de entrar en la dimensión "S", licencia oficial para directores perversos. Sus dos siguientes películas serían VIOLACIÓN INCONFESABLE (1981) y DESENFRENOS CARNALES (1982), ambas adornadas con el restrictivo y mítico logo.

Curiosa resulta la presencia del veterano José Riesgo, popularmente conocido como "Julián, el kiosquero de Barrio Sésamo", caracterizado como un general Japonés. Pero lo mejor, sin duda, son sus tres esculturales protagonista: Sita Sadafi (la mejor guerrera y más guapa del trío), Inca María (o Inka Maris, de rasgos orientales, sufrirá un terrible violación) y Roxana Dipre (negraza, con pelo a lo Jackson Five y aficionada al conilingus).

Sorprende la fugaz carrera cinematográfica de estas tres actrices; la dominicana Dipre tuvo dos pequeños papeles en LOS BINGUEROS (1979) y EL CARNAVAL DE LAS BESTIAS (1980) y posteriormente haría carrera en la televisión, el teatro y la moda. De Inca María y de Sita Sadafi poco se sabe... la primera fue vista un año después en ESPECTRO MÁS ALLÁ DEL FIN DEL
MUNDO (1978); mientras que Sadafi apareció desnuda en un número de la revista Interviú ¿alguien lo tiene?
Reseña escrita por: Gerard f. Ordel
****************************************
FRASES PUBLICITARIAS DE LA PELÍCULA:

-TRES NIÑAS CONVERTIDAS EN MUJERES Y PREPARADAS DESDE SU TIERNA INFANCIA PARA LA LUCHA EN DEFENSA DE UNA CAUSA QUE CREÍAN JUSTA.

-EL DESPERTAR DE LOS INSTINTOS AMOROSOS DE TRES MUCHACHAS EN LUCHA CONTRA UNOS HOMBRES QUE PRETENDEN VIOLARLAS.

-AVENTURAS, FEROCES LUCHAS ENTRE LA TRIPULACIÓN DE UN NAVÍO, QUE BUSCA UN TESORO EN LINGOTES DE ORO, HUNDIDO EN UN ISLOTE DEL PACÍFICO.

-INSTINTOS PERVERSOS DESATADOS ANTE LA PRESENCIA DE TRES MUCHACHAS VÍRGENES HABITANTES DE UNA ISLA, PROVOCAN LA MÁS SANGRIENTA LUCHA QUE USTED PUEDA IMAGINA.

-LA VIOLACIÓN DE UNA CHICA POR TRES INDIVIDUOS ANTE LA PRESENCIA DE VARIOS TRIPULANTES DE UN BARCO PIRATA, DESATA LOS MÁS CRUELES INSTINTOS, ESCONDIDOS EN EL SER HUMANO.

LA NOCHE DE LA FURIA

2011-12-14T23:28:00.022+01:00

Título Original: La nohe de la furia
Aka: Teuflische Mission
Director: Carlos Aured
País: España
Año: 1974
Productora: Profilmes
Música: Javier Morán
Actores: Glenn Lee, Blanca Estrada, Maria Perschy, Eduardo Bea, Julián Ugarte, Alibe (Alibe Parsons)+IMDB

Después de dirigir un par de títulos emblemáticos del fantaterror español, como son EL ESPANTO SURGE DE LA TUMBA (1972) y LA VENGANZA DE LA MOMIA (1973), Carlos Aured adapta un bolsilibro de Cliff Bradley (seudónimo habitual de Jesús Navarro Carrión) editado por Bruguera para su colección Servicio Secreto.

Alexander Trant (Glenn Lee) es requerido por el gobierno para infiltrarse en una banda de falsificadores de moneda, la idea es aprovechar la antigua amistad que le une a Parry (Julián Ugarte), líder de la banda y al que Trant salvó la vida en la guerra de Vietnam. Para ello debe llegar hasta una mansión, centro de operaciones de la banda, situada en un pequeño rincón de la costa californiana propiedad de Jill (Maria Perschy) una decadente y olvidada diva del cine. Trent logra instalarse sin mayores problemas, sin embargo los acontecimientos se precipitan cuando una pandilla de sádicos hippies asalta la casa sembrando el terror.

LA NOCHE DE LA FURIA es una casi imposible mezcla de géneros, un pastiche entre cine negro, espionaje, pinceladas de comedia y el terror propuesto por Wes Craven pocos años antes en LA ÚLTIMA CASA A LA IZQUIERDA (Last house on the left, 1972). Plagada de diálogos cochambrosos, fallos de continuidad, música inconexa y una estética que recuerda más al cine de Al Adamson que a cualquier otra cosa... Aured intenta recrear California en la costa murciana y, según sus propias palabras, se propone rodar en inglés en un intento fallido de abrirse paso en el mercado norteamericano.

Hay que decir que a pesar de sus deficiencias y la descuidada factura final, la película no es para nada desdeñable, más aun si tenemos presente su alma de novela barata. Y es que, desde mi punto de vista, es clara la intención de Aured por transmitir ese espíritu pulp; y así parece confirmarlo cuando, en el último dialogo de la película, hace surgir de la boca del protagonista, cual viñeta de cómic, un bocadillo o balloon donde se escribe la última frase que cierra la función. Además está esa propuesta inspirada en el film de Craven, insólita (o casi) en el cine español y que se adelantaría a otras pelis de "casas asaltadas" como FIN DE SEMANA SANGRIENTO (Death Weekend, Willian Fruet 1976) o TRAMPA PARA UN VIOLADOR (La casa sperduta nel parco, Ruggero Deodato 1980).

Hacer notar también la "influencia", en momentos puntuales, de la famosa invasión de la vivienda del escritor acometida por Alex y sus drugos en LA NARANJA MECÁNICA (A Clockwork Orange, Stanley Kubick 1971).

4 curiosidades:
1. El cabezilla de lo hippies está interpretado por Eduardo Bea, actor que a partir de aquí sería visto en infinidad de películas con quinquis, violadores y drogadictos de por medio en títulos como "JUVENTUD DROGADA", "CON UÑAS Y DIENTES", "LA VIOLACIÓN", "PORCO MONDO", "CABO DE VARA"...

2. La actriz de raza negra Alibe Parsons, aquí acreditada simplemente como Alibe, que también forma parte del grupo de asaltantes encarnando a la peligrosa y sexy Mae, es la única del elenco de actores que aun hoy en día sigue en activo con bastante regularidad, siendo un rostro muy reconocible para los espectadores de Reino Unido por su participación en multitud de series y telefilmes. A Alibe la hemos visto también en LA ISLA DEL TESORO (John Hough, 1972), "TARZÁN Y LAS MINAS DEL REY SALOMÓN (José Luis Merino, 1978), EL DESEO (Gerry O'Hara, 1979), ALIENS: EL REGRESO (James Cameron, 1986) ...

3. El doblaje de Glenn Lee corre a cargo José Guardiola, habitual voz de Humphrey Bogart en nuestro país. No sé si será casualidad, pero Alexander Trant resulta poco menos que un sucedáneo descafeinado de algunos de los personajes interpretados por Bogart dentro del cine negro. Su sarcasmo es digno de un taxista putero y su carisma sólo triunfaría en una sala de bingo. Aun así, o tal vez por ello, cae bien.

4. Y si de casualidades hablamos hay que mencionar una escena en la que Glenn Lee es encerrado en una habitación y atado a una silla por los hippies; con él se queda a solas Blanca Estrada, en su papel de Sue, también miembro del clan de agresores. Ésta se propone torturarlo para que confiese en que lugar de la casa hay dinero escondido. Sue enciende la radio, suena la música y empieza a cortar la oreja de su prisionero.... Resulta inevitable acordarse del famoso "momento oreja" de Reservoir Dogs filmado por Tarantino 18 años más tarde. El desenlace de ambas escenas es bien distinto y tampoco creo, pese alguna semejanza, que haya que buscar más
allá de la vulgar coincidencia. Simple anécdota.
Reseña escrita por: Gerard Fernández Ordel
****************************************************
MÁS IMÁGENES DE LA NOCHE DE LA FURIA:

EL PURO SE SIENTA, ESPERA Y DISPARA

2011-12-09T23:26:00.017+01:00

Título Original: La taglia è tua... l'uomo l'ammazzo io
Director: Edoardo Mulargia
País: Italia-España
Año: 1969
Música: Alessandro Alessandroni
Actores: Robert Woods, Rosalba Neri, Maurizio Bonuglia, Marc Fiorini (Ashborn Hamilton Jr.), Mario Brega, Lisa Seagram, Mariangela Giordano, Aldo Berti +IMDB

Para poder tener la versión completa de esta película ha hecho falta un montaje entre la Versión Francesa, la Versión Española, la Versión Americana y la Versión Italiana. Todas y cada una de estas versiones tienen escenas inéditas en las otras, y una vez conseguido un único vídeo que hace más entendible esta película, podemos afirmar que nos encontramos ante uno de los Spaghetti Westerns más insólitos jamás filmados.

El bandido Gipsy, homosexual y psicótico (Marc Fiorini firmando como Ashborn Hamilton jr.) es liberado de la cárcel por su banda, formada por cuatro pistoleros muy particulares: un sádico (Maurizio Bonuglia), un gay al que le gusta vestirse de mujer (Aldo Berti), un bruto (Mario Brega) y un predicador (Fernando Gianni); y les anima a participar en un buen negocio: cobrar la recompensa que dan por El Puro (Robert Woods), un famoso pistolero que ahora está retirado y por el que ofrecen 10.000 dólares. Para darle caza, no dudan en asesinar a la amante de El Puro, una prostituta de saloon llamada Rosie (Rosalba Neri) que está ahorrando dinero para retirarse. El Puro, que malvive en el sufrimiento y que está alcoholizado atravesando un delirium tremens, ante el asesinato de su chica, vuelve a ponerse las pistolas para enfrentarse con la banda.

La particularidad que tiene este Spaghetti Western es el cambio de registro en su esquema:

1.- Los bandidos son ahora caza recompensas que deben de cobrar la del protagonista de la película, un pistolero atormentado por sus recuerdos, que ahora es una piltrafa humana, y que busca refugio en el alcohol para olvidar sus pasiones (estupendo Robert Woods).

2.- Esa homosexualidad latente que existe entre el jefe de la banda Gipsy con Cassidy, el pistolero travesti que se pone un vestido de señora, y que luego se abrocha en la falda el cinto con las pistolas, y al que besa en los labios apasionadamente, como premio por haber asesinado brutalmente a la prostituta (¿o a la “mujer”?), en una escena que sólo existe en la versión francesa.

3.- ¡ATENCIÓN! SPOILER (Remarca el texto si quieres leerlo) Por último destacar la muerte del protagonista, insólito en el cine del Oeste, donde los protagonistas siempre son los héroes y sólo es comparable a la magistral “Il grande Silenzio”, otro estupendo Spaghetti Western, porque El Puro, en un singular duelo donde tiene la osadía de sacar una mecedora y sentarse para disparar, frente a un paisaje y unos planos que recuerdan los de “Por un puñado de dólares”, poco después es acribillado por la espalda y a traición con un rifle de mira telescópica del bandido que faltaba y que lo espera emboscado en el camino y que terminará siendo el verdugo que cobrará la recompensa que ofrecían por su cabeza. FIN DEL SPOILER

Además están los paralelismos con la trilogía de Sergio Leone: el jefe Gipsy, se ríe como un loco y dispara al azar en un ataque de histeria (recuerdo de Gian Maria Volonté, “el Indio” en “La muerte tenía un precio”); la escena donde entran en la tienda y roban además de ropa, un arsenal de armamento (recuerdo de Eli Wallach en “El bueno, el feo, y el malo”) y también de esta misma película, la música de Alessandro Alessandroni (el que silba en “La muerte tenía un precio”) que compone una banda sonora basada en el grito y muy parecida a la de “El bueno, el feo y el malo”. No falta tampoco Mario Brega, haciendo su sempiterno papel de “madre protectora”, en este caso cuidando a su hermano pequeño.

La película fue dirigida por Eduardo Mulargia bajo el seudónimo de Edgar G. Muller y contó con una producción con España de Ignacio F. Iquino que aportó a los actores catalanes Gustavo Ré, César Ojinaga y Fernando Rubio; en España resultó tan cortada que era inentigilible, y además está la presencia del niño Valerio Fioravanti o también Giusva Fioravanti, que era amigo personal del director, y cuya cara angélical no le impidió resultar convicto de asesinato de un policía en la masacre de Bolonia por los neo fascistas en 1975, terminando este hecho con su corta carrera para el Cine y donde había destacado precisamente en los Spaghetti Westerns.

Robert Woods, en su papel de pistolero alcoholizado, resulta impresionante, así como la guapa Rosalba Neri que esta vez debe morir a manos de un sádico que golpea su cabeza contra un palo hasta destrozarla. Original, curiosa y si se tiene completa, además de verse, hasta puede entenderse.
**********************************************
Reseña escrita por: Antonio Domínguez
-Review: Versión en italiano/ Italian Version
**********************************************
MÁS IMÁGENES DE LA PELÍCULA:

ORGASMO NEGRO

2011-12-02T17:45:00.017+01:00

Título Original: Orgasmo Nero
Aka: Sex and Black Magic/ Voodoo Baby
Director: Joe D'amato
País: Italia-Rep.Dominicana
Año: 1979
Música: Stelvio Cipriani
Actores: Susan Scott, Richard Harrison, Lucia Ramírez

Sexy-horror caribeño made in D'amato, subgénero del que ya hablamos AQUÍ. Cine erótico, o soft-porno, aderezado con breves notas de vudú y canibalismo... muy leve, en este caso.
Aquí manda el derroche físico de Susan Scott, es decir Nieves Navarro de Almería tierra de spaghettis y jamonas pata negra. Le acompaña Richard Harrison en plan Guadiana y Lucia Ramírez como asilvestrada lugareña. En torno a esta última gira la trama.

La cosa va de una pareja de cuarentones occidentales llamados Helen y Paul, unos ricos venidos a menos que viven en una isla caribeña. Paul (Richard Harrison) tiene dificultades para mantener relaciones sexuales, y su mujer Helen (Nieves Navarro) se tiene que buscar la vida para paliar su furor uterino. Ésta se lo monta con un amiguete de ambos y, en arrebatos, busca en los bares del lugar a fornidos jóvenes con bigote; detalle éste, el del bigote, que debe ser un guiño a su marido Harrison. Así está la cosa. Un día acogen en su casa a Haini, un nativa a la que su madre ha echado de casa no sin antes darle unos latigazos por pervertir nosequé tradición rara.

Después de enseñar a Haini a usar cubiertos para comer, llevarla a desfiles de alta costura e intercambiar fluidos, Helen se encapricha de la joven, incluso se obsesiona y se muestra celosa y posesiva cuando la caribeña, que le ha cogido gusto al asunto lésbico, se lo monta con otras. Al final la cosa se complica tanto que los paisanos de Haini se mosquean de tanta tontería occidental y tiran mano de rituales chungos...

D'amato-Massaccesi se aprovecha del bello paisaje caribeño y la alopecia franciscana de Harrison para demostrar que era un excelente director de fotografía. Muy bien Nieves Navarro, sin remilgos a sus 42 y luciendo estupenda en sus desnudos. Y muy bien también el fulgor sexual de la coronilla de Richard Harrison, mostrada en primeros planos.

Otra de las pelis que componen la lista "S". La peli es soft, no porno, pero en alguna versión se incluye una felación de Lucia Ramirez a Mark Shannon... en realidad esa escena no corresponde a ORGASMO NERO donde Shannon no está ni acreditado, esta escena está sacada de otra de las pelis que D'amato hizo en el Caribe, tal vez HOLOCAUSTO PORNO; y digo tal vez porque ésto en realidad no importa mucho, ya que el director rodó varias películas aprovechando mismo escenario, equipo y actores.
Reseña escrita por: Gerard f. Ordel
MÁS IMÁGENES DE ORGASMO NEGRO:

IMDB: http://www.imdb.com/title/tt0081727/

DOSSIER TARZANES ESPAÑOLES [1] RICHARD YESTARÁN-PROFILMES: "TARZÁN Y EL MISTERIO DE LA SELVA"(1973) y "TARZÁN Y EL TESORO DE KAWANA"(1974)

2011-11-28T01:50:00.023+01:00

A PROPÓSITO DE UN PAR DE TARZANES DE PROFILMES

(por Chus Parrado)

Para entender la irrupción en la producción del cine popular europeo, de los años 60 y 70, de la figura de Tarzán, debemos volver la mirada al periodo comprendido entre finales y principios de dichas décadas. En esos años el personaje de Burroughs, junto al enmascarado Zorro, estaban de moda y hacían las delicias del publico infantil y juvenil. Si observamos la programación de los cines de barrio, programa doble y circuitos rurales, veremos que desde el Tarzán de los monos del año 32 hasta Tarzán y el niño de la jungla, del año 69, continuamente se reponían y estrenaban las aventuras del rey de los monos.

El cine de géneros realizado en el continente, supuso el relevo de la etapa clásica de su homólogo americano. Con Italia a la cabeza y buscando series y temas que fuesen rentables entre el público, encontró en el célebre rey de la selva todo un filón a explotar.

Cierto que que a principios de los 60 los italianos fueron los encargados de servir al publico una serie de clones que poseían todos los atributos del héroe selvático,ahí están los Karzan o Tarzak, que por obra y gracia de las leyes cinematográficas y distribuidores españoles, en su exhibición en suelo patrio, fueron sencillamente Tarzán, con la excepción de otro rey de la jungla, Zambo, realizado a mayor gloria del culturista habitual del Peplum, Los 3 Superman y compañero de Comisario x, Brad Harris.
.

No sería hasta la frontera entre el año 69 y 70, cuando por fin el amigo de Chita, emprendería su andadura por la producción hispana, primero tímidamente, pues en Tarzán en la gruta del oro (Manuel Caño, 1969) y Tarzán y el arco iris (Manuel Caño, 1972), fuera de nuestras fronteras fue bautizado como Surimán o Zan, asi, tal como suena.

Ahora bien, en los años 72 y 73 Tarzán ya fue Tarzán merced a la productora Profilmes, que en 3 ocasiones atentó contra la figura del monarca de los monos, mediante otras tantas producciones que bien podríamos describir como la infame, la mala y la peor. Es decir: Tarzán en las minas del rey Salomón (José Luis Merino, 1973), Tarzán y el misterio de la selva (Miguel Iglesias Bonns, 1973) y Tarzán y el tesoro Kawana (José Truchado, 1974). Y es precisamente de estas 2 últimas, donde Richard Yestarán, o José Luis Ayestarán, quien tiene un enorme parecido con el cantante gijonés Danny Daniel, lució taparrabos, son el objeto de este comentario.

TARZÁN Y EL MISTERIO DE LA SELVA
Director: Miguel Iglesias Bonns
Año: 1973
Actores: Richard Yestarán, Didi Sherman, César Burner, Julián Ugarte, Marina Ferrer, Rebeca Romer+IMDB

Los exteriores selváticos fueron recreados en el Montseny, así que ya saben profusión de prados, zarzales y material de archivo con fauna africana. El argumento ser es tremendo: resulta que el servicio secreto británico se propone pacificar una conflictiva región de África, donde dicen que reina el caos, para ello nada mejor que endosarle el asunto al mejor de sus agentes, un James Bond de andar por casa, interpretado por César Burner, el protagonista de La noche del terror ciego (Amando de Ossorio, 1971).

Por aquello del peligro, le acompañarán 4 agentes femeninas, una compatriota inglesa, una americana, otra rusa y una francesa. Ni que decir tiene que dichas señoritas son jóvenes, sobradamente preparadas y entrenadas, expertas luchadoras y tiradoras; no vean que arte tienen... Como camuflaje las 4 agentes femeninas irán disfrazadas de MONJAS, y el caballero como de misionero, ¡ala! todos a recitar y repartir biblias.

Como se desprende de esta idea, francamente majareta, nos encontramos con que Tarzán no es el protagonista, tan solo un reclamo, apareciendo de vez en cuando por la trama, para repartir unas cuantas hostias y hacer que suene el inconfundible grito, creado por M.G.M. para las películas interpretadas por Weissmuller.

El desarrollo de la función se reduce a una serie de encontronazos entre el agente disfrazado de misionero y las falsas monjas con los sicarios del villano, interpretado por Julián Ugarte. De vez en cuando y según convenga Tarzán aparece y echa una mano o el puño para terminar en la guarida subterránea del villano, todos juntos y revueltos, donde es utilizado como aplastante fuerza de choque, dando buena cuenta de los pérfidos quebrantantes de la paz africana. La paz del hombre mono será quebrantada por una de las monjas de pega que decide quedarse allí.

***************

TARZÁN Y EL TESORO DE KAWANA
Director: José Truchado
Año: 1974
Actores: Richard Yestarán, Loreta Tovar, Frank Braña, Isabel Luque, Cris Huerta, Luis Induni+IMDB

Si la película anterior es un bodrio de considerables proporciones, esto que nos ocupa la única manera de describirlo es como una tomadura de pelo a costa del espectador. Esto carece del mínimo interés, sentido cinematográfico y común; Tarzán y el tesoro Kawana, por el hecho de estar realizada en celuloide es una patochada fílmica, imposible de tomársela en serio, pero carente de la menor gracia. Sinceramente he de reconocer que no conozco otra película narrada por una MONA, imagino que será Chita.

Este engendro esta filmado en Costa de marfil, y a juzgar por el resultado en los pasajes se gastó el grueso del presupuesto.

Torpe, plúmbea y atolondrada; esta miserable, en todos los sentidos, producción intenta contar la historia de un profesor, con pinta de atorrante, que acompañado de su hija y el novio de ésta, se proponen hacerse con el tesoro de la tribu de los Kawana, engañado por los 3 guías que les acompañan, el cabecilla es Frank Braña.

Se encontrarán con Tarzán, que en esta ocasión luce taparrabos leopardo, entregado a sus quehaceres, ver los bichos de por allí, columpiarse en una liana, bañarse en el río y vivir en una chabola; por cierto, al igual que el bodrio anterior tampoco es el protagonista, y aún aparece menos tiempo en pantalla.

Al final la media docena de expedicionarios serán escarmentados por la tribu del título, escarnio tutelado por Tarzán, y como colofón la MONA NARRADORA nos informará, dudo que pueda interesar a alguien, del destino de cada uno de los miembros de la infame expedición.

************************

-GALERÍA FOTOGRÁFICA-
TARZÁN Y EL MISTERIO DE LA SELVA

TARZÁN Y EL TESORO DE KAWANA

************************************
FIN DE LA PRIMERA PARTE DEL DOSSIER
TARZANES ESPAÑOLES (continuará...)
************************************

UNA MUJER PARA SIETE BASTARDOS

2011-11-24T18:24:00.012+01:00

Título Original: Una donna per sette bastardi
Aka: The Sewer Rats
Director: Roberto Bianchi Montero
País: Italia
Año: 1974
Música: Franco Micalizzi
Actores: Richard Harrison, Dagmar Lassander, Gordon Mitchell, Ivano Staccioli, Andrea Checchi +IMDB

A una aldea minera casi destruida llega un hombre cojo (Richard Harrison) al que se le ha averidado el vehículo en medio de ninguna parte. Los habitantes de la aldea son parias y temen que el cojo haya llegado para detener a alguno de ellos. El lugar está dominado por Carl (Antonio Casale) que es el dueño de todo y su socio Gordon (Gordon Mitchell). Carl está casado con Rita (Dagmar Lassander) la única mujer de la ciudad y a la que prácticamente todos se benefician. Completan esta peculiar "comunidad" un mudo (Luciano Rossi) jorobado medio retrasado que no deja de tocar la armónica todo el tiempo... salvo cuando espía a Rita desnuda; Smith (Ivano Staccioli) escapado de un manicomio, es el único que Rita rechaza en su cama; Dick (Luciano Bartoli) fugitivo escapado de prisión; y por último el viejo tabernero (Andrea Checchi) que entabla cierta amistad con el cojo.
Gordon y Carl esconden un tesoro que no están dispuestos a compartir con nadie, ni tampoco a dejar testigos...

Un pequeño cuento criminal, misógeno y extraño, mejor de lo que podía parecer a priori. Por momentos, pese a estar ambientada en el presente (1974), creemos estar viendo un spaghetti western deudor del Maestro: Richard Harrison como hombre sin nombre tullido, no manco, pero sí cojo. O el poblado de los desperados, esta vez una antigua aldea de mineros abandonada. Además de elementos clásicos del western como son la codicia y la venganza.

Bastante violento y pasado de rosca, a pesar de que intuyo algunos cortes, al menos en la versión que yo he visto de 88 minutos (atención a la portada griega que os dejo más abajo, con un empalamiento que no vemos en la versión española). La mentada misoginia, capitalizada toda en la figura de Dagmar Lassander cachonda perdida, continuamente acosada y golpeada. Pero no sólo ella se lleva los golpes, aquí hay para todos. Os juro que no pasan más de dos minutos sin que veamos algún tipo de agresión, paliza o pelea; así el mudo se las lleva por ser el tonto del pueblo y por voyeur, el viejo por hablar más de la cuenta, el cojo por incomodo invitado, el loco por acosador, los matones por matones, etc...

Por supuesto, la película no es una obra maestra ni mucho menos, pero, además de que hay generosas dosis de violencia y desnudos (lease carga sexual demencial), la peli tiene buen ritmo y los personajes son suficientemente estrafalarios y locos como para que los fans del trash italiano de los 70's pasemos un buen rato. Sobre todo muy recomendable para los admiradores de Dagmar Lassander, que aquí, más que nunca, zorronea que da gusto.

UNA MUJER PARA SIETE BASTARDOS es ideal para programar en una doble sesión "Bianchi's saga: Eurocrimen hijoputesco" junto con LOS QUE CUENTAN (Andrea Bianchi, 1977) y tener sueños humedos con la Lassander y la Bouchet durante una temporada.

SOBRE EL DIRECTOR:
Roberto Bianchi Montero, uno de los mayores y más infames destajistas del cine italiano de géneros. En la cuerda explotativa de un Bruno Mattei, pero anterior a éste; con menor popularidad, más recorrido y mayor traza de artesano. Tal vez le faltó un hit tipo Apocalipsis Caníbal (Virus-L'inferno dei Morti Viventi, 1980) para que hoy fuera más reconocido por el populacho. Rodó desde la década de los 40 hasta 1986, año de su muerte. Roberto Bianchi Montero tocó absolutamente todos los palos, según marcaba el momento: Peplum (El hijo de Atila), Capa y Espada (Las nuevas aventuras de Robin Hood), Spaghetti Western (Yo lo mato, tú cobras la recompensa), Mondo (Mondo Balordo), Euro-Spy (Agente Z 55: Secreto atómico), Bélico (36 hora en el infierno), Giallo ( Revelaciones de un maniaco sexual), Comedia sexy/Erótico (Las calientes noches de Caligula)... Eso sí, siempre con un sentido del descaro que le permitía suplir carencias con carnaza sin despeinarse. Además tuvo tiempo de engendrar a Mario Bianchi, el cual se encargó de no darnos tregua dirigiendo cosas como La hija de Satanás, La banda Vallanzasca o Blancanieves y los siete sádicos.
-Reseña Escrita por: Gerard f. Ordel
Más imágenes de la película:

Otras carátulas y afiches:

EL HALCÓN Y LA PRESA

2011-11-21T08:29:00.006+01:00

Título Original: La resa dei conti
Aka:The Big Gundown
Director: Sergio Sollima
País: Italia-España
Año: 1966
Música: Ennio Morricone
Actores: Lee Van Cleef, Tomas Milian, Nieves Navarro, Fernando Sancho, Roberto Camardiel +IMDB

”Hay que saber que huir es más difícil que perseguir” (“Cuchillo Sánchez” -Tomás Milian- a Jonathan Corbett -Lee Van Cleef-).
El primer western de Sergio Sollima lo realizó en 1966, sobre un guión estupendo que escribe conjuntamente con Sergio Donati, pero imponiendo algunos cambios argumentales en la historia inventada por su amigo Franco Solinas, un notable guionista y hombre de izquierdas, responsable de escribir importantes películas como “La batalla de Argel” (Gillo Pontecorvo); “Yo soy la revolución” (Damiano Damiani) o “Tepepa” (Giulio Petroni). De este modo, Sergio Sollima elimina el primitivo título del argumento “Il falco e la preda” (“El halcón y la presa”) que no le gusta nada, pero que al co-productor español Tulio Demicheli le encanta y con este nombre distribuye la película en España; y la rueda con una producción de Alberto Grimaldi como “La resa dei conti” (“La rendición de cuentas”), en base quizás a sus famosos tres duelos finales.

Sergio Sollima intercambia también las edades de los personajes, ya que en el argumento de Solinas, la “caza del hombre” la daba un sheriff joven que buscaba a un viejo mejicano acusado de un crimen que no había cometido; y la idea de Sergio Sollima es convertir a ese mejicano en un “héroe de la nada”, es decir, sólo es experto manejando el cuchillo porque no sabe hacer otra cosa (rechaza la pistola que le ofrece Lee Van Cleef en el duelo final y elige su cuchillo); además de ser un peón marginado que ha participado en la revolución juarista y que huye siempre hacia ninguna parte, buscando sobrevivir en el entorno donde vive, y esto también es otra idea que tiene el realizador en el universo del western, que es la de mostrar al hombre frente a un medio totalmente hostil.

Jonathan Corbett (Lee Van Cleef) es un cazador de recompensas que persigue sin tregua a los fuera de la ley, no tan sólo por el dinero que pagan por su captura, sino porque cree en la Justicia de los Estados Unidos. En la fiesta que ofrece el terrateniente Brokston (Walter Barnes) con motivo de la boda de su hija, éste le propone financiarle la campaña electoral para que Corbett sea Senador por Texas, siempre que después le apoye en Washington para construir el Ferrocarril, pero dos amigos de su yerno Chet Miller (Ángel del Pozo) traen la noticia de que un mejicano llamado Cuchillo Sánchez (Tomás Milian) ha violado y asesinado salvajemente a una chiquilla de doce años.

Jonathan Corbett, emprende implacable la caza del mejicano asegurando de que será muy fácil traerlo vivo o muerto, pero pronto se convence que no es así, ya que Cuchillo demuestra ser astuto, taimado y escurridizo, y va escapándose con sus argucias continuamente allí donde lo encuentra, ya sea en una Comunidad de Mormones que abandona un pueblo donde se ha agotado la mina de oro; un rancho dominado por una viuda insaciable (Nieves Navarro) que ofrece a sus hombres primero sexo y luego los humilla haciendo que se peleen entre ellos; un desierto con el único pozo de agua existente; y finalmente, cruzando la frontera, en un México, post revolucionario “donde el Jefe de Policía (Fernando Sancho) recomienda a sus agentes dormir cuando los disturbios los provocan los esbirros de los grandes rancheros, que son señores respetables que pagan sus impuestos y van a misa los domingos, y porque también, quien duerme, ni ve, ni oye, ni siente”.

Brokston, acompañado de toda su familia, y por el barón austriaco Von Schulenberg (Gerard Herter), un experto militar en el manejo de las armas que ha tenido 33 duelos y ha dejado 33 viudas, se persona en Méjico y ofrece una sabrosa recompensa a muchos matones por la cabeza del mejicano, que lo buscan implacablemente, hasta cercarlo en un cañaveral, donde finalmente parece que va a ser fácil atraparlo. Para ello, el Barón muestra a Corbett una curiosa funda que ha inventado, y que da a su pistola una velocidad asombrosa cuando apunta para matar; Brokston se lleva su rifle con balas especiales que desgarran la carne y paran en seco a un bisonte, acudiendo también Jonathan Corbett con dos pistolas y el yerno de Brokston, Chet, que tiene especial interés en eliminar al mejicano...

El milagro de los “tres Sergios” en el Western Italiano, esto es: Sergio Leone, Sergio Sollima y Sergio Corbucci es que hicieron un cine del Oeste de mucha calidad que no tenía que envidiar para nada al Western americano, porque sus propuestas eran muy particulares, y tenían planos visuales repletos de magia cinematográfica.

Así, Sergio Sollima, toma del cine de Leone las imágenes de sus primeros planos en los rostros, y también coge como protagonista a Lee Van Cleef, un actor del que declara Sergio Sollima que es terriblemente afortunado, ya que su mirada es suficiente para expresar todo lo que quiera y no tiene que decir casi nada.

También Sergio Sollima buscó para interpretar a ese harapiento y pordiosero mejicano al que convierte en el héroe de su historia, a un latino, el actor cubano Tomas Milian, que sin embargo durante esos años no era creíble para un productor como Alberto Grimaldi, al que tuvo que convencer, porque Tomas Milian había hecho en Italia muchas películas de “cine de autor”, con papeles “dramáticos o serios”, pero el acierto es evidente porque Milian sí que resulta ideal como Cuchillo Sánchez con todos los tics que provocan sus miradas, ya sean éstas cínicas o lastimeras, que potencian la gran astucia del mejicano, fabricando un personaje que repetiría en otra película de Sergio Sollima, “Corre, Cuchillo… corre!” (1968); y que sería abortado en una tercera parte que nunca se llegaría a rodar, “Cuchillo Sánchez llama a tu puerta” (1970).

Otro factor importante en “El halcón y la presa”, es el recorrido que hace por diversos paisajes iconográficos del Oeste con pequeños episodios donde siempre insiste en la ironía y su contraste final (las montañas de Colorado que sirven para el primer duelo donde los tres bandidos eligen morir colgados o de un disparo; la mansión del capitalista, que busca claramente utilizar el progreso para aumentar su riqueza personal; el rancho perdido entre las montañas que regenta esa viuda convertida en abeja reina, a la que le gusta elegir un hombre diferente para hacer el amor y luego eliminarlo; el poblado minero abandonado, donde el mejor hotel es la habitación de un prostíbulo; la comunidad de Mormones, que evidencia su poligamia con la esposa niña de uno de ellos de tan sólo trece años; el desierto que sirve para tender una trampa con el único pozo de agua existente; la pradera, donde la honrada familia de la caravana que salva al moribundo es a continuación golpeada y robada; el convento de frailes donde el prior ha sido un experto pistolero que huye de su pasado y de sí mismo; y el territorio mejicano, ya sea aquel de las ciudades, de las que muestra sus prisiones y sus burdeles, pero también el de las calles repletas de una religiosidad en procesiones con encapuchados tipo las de Semana Santa en Andalucía, que es la escena convenientemente censurada en la versión española, a la que contrasta con el paganismo de los esqueletos y las calaveras que reflejan la alegría festiva mejicana que homenajea la muerte en todas sus fiestas.

Asimismo, en la película está una lectura inevitable que la define como el primer western marxista, ya que en realidad nos encontramos ante una singular lucha de clases en el Oeste, donde la violencia de los terratenientes y su dinero darán una despiadada caza (atención porque también “ayudan” esos barones austríacos, que son amantes de lo “militar” y de “matar en nombre del capital”, y que tienen un físico inspirado claramente por Sergio Sollima, en el actor Erich Von Stroheim, a quien declara admirar) para sumar la potencia de Capital + Ejército, y todo para matar a un vagabundo, testigo de un asesinato, de quien el ranchero asegura para diferenciar su “clase social” que “no es un mejicano, solamente es un peón”; o también, esa boda marcada por el desamor entre las dos fortunas, donde el padre le dice a la hija “lo tuyo no es un matrimonio, solamente es una unión que forma parte del capital para construir mi ferrocarril en las tierras de tu marido”.

No se puede terminar sin mencionar una música compuesta por Ennio Morricone, que como anécdota contada por Sergio Sollima, puede decirse que el compositor se adormeció cuando vio el primer copión, dejando estupefacto y preocupado a Sollima, aunque enseguida y al piano le demostró su capacidad de narrar musicalmente la historia componiendo muchos y singulares temas musicales que están inspirados esta vez en el factor importante que tiene el grito de los animales en la historia (el rebuzno del asno, el rugir del toro), así como el tema principal con la voz de una soprano y una estupenda canción que esta vez canta Christy en inglés y también en italiano. Además, Ennio Morricone viste toda la película ofreciendo tres temas para describir los duelos, de su producción típica, incluyendo un pequeño homenaje al “Para Elisa” de Ludwig Van Beethoven, en el enfrentamiento de Jonathan Corbett con el Barón austríaco.

“El halcón y la presa”, es actualmente todo un clásico del western italiano, que fue rodado en Almería, Madrid y la Pedriza y que cuenta con la participación de muchos actores característicos del western italiano (Nello Pazzafini, Francisco Braña, Antonio Molino Rojo, Benito Estefanelli, Romano Puppo). Tiene una acción trepidante de principio a fin y también es una película que consagró a su realizador como el más importante de la historia del western europeo a continuación del gran Sergio Leone.
Reseña Escrita por: Antonio Domínguez.
Review: Versión en italiano/ Italian version

YA ESTÁ AQUÍ EL 2000MANIACOS Nº 42 ¡ESPECIAL EXÓTICO!

2011-11-17T01:56:00.006+01:00

¡AMIGOS! ya podéis adquirir el nuevo número del más mítico y legendario fanzine.
2000 Maniacos Nº42-ESPECIAL EXÓTICO...

Y os digo que el listón esta vez se ha puesto muy alto. Para mí, y hablo como fan del 2000 Maniacos desde que tengo 15 años, puede que este número se encuentre entre los mejores de sus 22 años de historia.
Caníbales europeos, Slavesploitation, Cine loco africano, Camorristas de Pakistán, Emanuelle Negra, Mondo Pulp, Tarzanas y Bikinis de leopardo, Programas dobles imposibles o un montón de reseñas de películas perdidas... son solo alguna de las cosas que podréis encontrar en este ejemplar. Como sabiamente dice El Abuelito en su desván: "Una verdadera lección, toneladas de información y ese tono entre el academisismo y la chufla que su director Manuel Valencia ha sabido imprimir siempre a sus criaturas..."

Creo que ya se puede encontrar en los puntos de venta habituales, pero también podéis hacer un fácil pedido escribiendo a pipoelpayasoborracho@yahoo.es y lo tendréis en un plis-plas.
Os recomiendo también que os apuntéis a la página que 2000MANIACOS tiene en facebook, donde siempre cuelgan cosas molonas y de interés: http://www.facebook.com/pages/2000-maniacos/57992851632
¡¡¡LARGA VIDA AL 2000MANIACOS!!!

FLOR AL VIENTO

2011-11-03T23:40:00.011+01:00

Título Original: Pusteblume/ Dandelions
Aka: Der wilde Blonde mit der heißen Maschine
Director: Adrian Hoven
País: Alemania
Año: 1974
Música: Rolf Bauer
Actores: Rutger Hauer, Dagmar Lassander, Shirley Corrigan, Heidrun Hankammer +IMDB

Desde que el marinero Rick (Rutger Hauer) regresó a casa para reencontrarse con su esposa Elke (Shirley Corrigan) después de seis meses en el mar, y encontrar que ésta le había abandonado para convertirse es una prostituta drogadicta, él no ha vuelto ha ser el mismo. Rick reaccionó al dolor de una manera autodestructiva, abandonándose a una vida de alcohol, putas, antros y paseos en moto. Entre todas esas chicas de vida disoluta está Doreen (Dagmar Lassander), la mejor amiga de Elke, con la que inicia una tórrida relación.

¡Pero como mola Rutger Hauer en esta película! Decirle Cool si lo preferis. Me recuerda a Steve McQueen pero en versión centroeuropea y salvaje. Andaba yo quince años loco detrás de esta peli desde que la vi una madrugada en la segunda cadena de TVE. Recuerdo que me enganché de inmediato. Ahí estaba aquel malísimo villano psicópata de CARRETERA AL INFIERNO (The Hitcher, Robert Harmon, 1986) absolutamente despendolado, pasándose con la teutonas, bailando como un orangután en celo y vacilando en su súper moto. Mucho más joven, claro. Hauer sólo tenía 30 años en 1974, pero una gran presencia en pantalla.

Sin duda el que esté protagonizada por nuestro héroe le da mucha fuerza al asunto. Junto a él Dagmar Lassander, que venía bien curtida por los italianos en títulos como FEMINA RIDENS (1968) de Piero Schivazappa, UN HACHA PARA LA LUNA DE MIEL (Il rosso segno della follia, 1970) de Mario Bava, o DÍAS DE ANGUSTIA (Le foto proibite di una signora per bene. 1970) de Luciano Ercoli.

FLOR AL VIENTO fue la respuesta alemana al éxíto holandes de DELICIAS TURCAS (Turks Fruit), dirigida un año antes por Paul Verhoeven y también protagonizada por Hauer. Sin embargo la película no logró alcanzar ni de lejos la misma trascendencia, y tan solo alguna escena erótica que resultaba algo fuerte para la época logró llamar la atención de unos pocos.

FLOR AL VIENTO es una auténtica sexploitation: desnudos, sexo soft (potentes algunos momentos entre Hauer y Lassander), algo de violencia y acción. Además se toca el tema de las drogas con alguna escena de gente metiéndose un pico.

Dirigida por Adrian Hoven, tal vez más conocido por sus colaboraciones con Jesús Franco, pero que como director cuenta con una corta pero jugosa filmografía dentro de la exploitation europea; ya que, además de FLOR AL VIENTO, dirigió entre otras MI ERÓTICO SIGFRIDO (1971), LAS TORTURAS DE LA INQUISICIÓN (1970) y su secuela MARK OF THE DEVIL 2 (1973). Las dos primeras adornadas con la clasificación "S" española.
Reseña escrita por: Gerard f. Ordel
MÁS IMÁGENES DE FLOR AL VIENTO:

¡Otros afiches y carteles!

ESTAMBUL 65

2011-11-02T19:53:00.006+01:00

Título Original: Estambul 65
Aka: Colpo grosso a Galata Bridge
Director: Antonio Isasi Isasmendi
Año: 1964
País: España-Italia-Francia
Música: Georges Garvarentz
Actores: Horst Buchholtz, Sylvia Koscina, Klaus Kinski, Gérard Tichy, Mario Adorf, Alvaro de Luna, George Rigaud, Ángel Picazo, Gustavo Ré, Perrette Pradier, Agustín Gonzalez, Henry Cogan, Marta Flores +IMDB

Ciao Tony. Esto es lo que parecen decir sonriendo todas las chicas guapas de Estambul cuando se cruzan con Tony Mecenas (Horst Buccholz), un aventurero que regenta un casino en Estambul con sus dos hombres de confianza, “Cerebro” (Gustavo Ré) que sabe recordar hasta el más mínimo detalle de cualquier persona y “Bogo” (Alvaro de Luna), y es que a Tony Mecenas le anda buscando el FBI porque le relaciona con la desaparición del Profesor Pendergas, y envía a Estambul a su mejor agente femenino para localizarlo (Sylva Koscina).

A partir de aquí, toda una serie de situaciones de acción sin límite, donde los puñetazos, los tiros y las bandas se enfrentan en una galería de villanos cinematográficos donde no faltan ni Gerard Tichy con su puño de hierro del que sale una navaja, ni Mario Adorf (estupendas las escenas submarinas y como se dobla en su muerte por la espalda con un cuchillo), ni tampoco Klaus Kinski con su mirada perdida, mientras que Tony Mecenas tiene que liarse a tortas con todos, absolutamente todos, para recuperar un millón de dólares en una valiosa fórmula que buscan también como no, los chinos. Esto, con mucho cinismo y humor por parte del personaje que no duda ni un momento en dirigirse a la cámara y decirle al espectador su particular visión de todo el asunto, introduciendo una gota de sarcasmo en medio de una acción demoledora (“¿Qué?... ¿Qué tengo miedo”?).

Y así corriendo por las calles de Estambul, perseguido por la Policía (un inspector de cuidado llamado Ángel Picazo), vestido de etiqueta, o travestido de señora con tacones, y también con sólo una toalla en medio de los baños turcos y escondiéndose entre mujeres desnudas, la asombrosa acción sin límites lleva a a la película a conseguir ser uno de los mejores productos que gestó en 1964 el Cine Español, basado en la coproducción tripartita, en este caso con Italia y con Francia, país que aporta bellezas rubias como Perrette Pradier.

No hace falta decir que la música es acertadísima, en este caso de Georges Garvarentz, y que situó a su director Antonio Isasi Isasmendi entre los grandes del cine español en el medio internacional y que le permitió seguir rodando películas con abundante presupuesto económico (“Las Vegas 500 millones”). También significa para mí mucho esta película, es de las que más he visto en mi vida, unas treinta veces mínimo, y nunca me cansa, así que amigos… Ciao Tony!!!
Reseña escrita por: Antonio Domínguez.
Review: Versión en italiano/ Italian version.

LA POLIZIA HA LE MANI LEGATE

2011-10-28T03:54:00.016+02:00

Título en España: BRIGADA ANTIDROGA
Director: Luciano Ercoli

Año: 1974
Música: Stelvio Cipriani

Actores: Claudio Cassinelli, Franco Fabrizi, Arthur Kennedy, Bruno Zanin, Sara Sperati +IMDB

Sinopsis: Una bomba explota en el hall de un hotel en Milán, causando muertos y heridos.

El comisario Rolandi (Claudio Cassinelli), que estaba en el hotel para vigilar a un traficante de drogas, asiste a la matanza.

Unas horas después, su amigo y colega Balsamo (Franco Fabrizi) se topa con el causante del atentado, el joven Federico Ludovisi (Bruno Zanin), sin embargo lo deja escapar.
Mientras de las investigaciones se encarga un intachable magistrado, el procurador general Di Federico (Arthur Kennedy), el comisario Rolandi, que trabaja a la Sección antidrogas, empieza una personal investigación para descubrir quiénes son los autores y los que ordenaron la masacre.

Sin embargo muchas cosas no encajan: alguien insospechado hace un doble juego y cada vez que el comisario Rolandi se acerca para descubrir algo, sus testigos son puntualmene asesinados por misteriosos criminales.

COMENTARIO. La Polizia ha le mani legate forma parte de esa corriente del "poliziottesco" que se ocupa de temas subversivos, servicios secretos "desviados", atentados terroristas.

La película elimina casi completamente las características persecuciones y los tiroteos clásicos para concentrarse en una historia de subversión y de servicios secretos.

El trabajo de Luciano Ercoli es sin duda digno de aprecio, la atmósfera es adecuada, la psicologíade los personajes está bien esbozada en casi todos los casos, el aire de sospecha que se respira al interior del palacio de justicia està correctamente representada. Pero, en el momento de dar el toque final, el director se vuelve impreciso, vago (ya habia alentado a los espectadores, haciendo entender claramente que el atentado era el fruto de un error y que la bomba estaba preparada para una torre de alta tensión), pone en el primer plano el caso personal del protagonista, dejando en el fondo la interesante historia de complots que, desafortunadamente, en la realidad, ha marcado de manera indeleble la historia italiana desde finales de los años 60 hasta el principio de los años 80, y que todavía hoy queda oscura, con su cargo de centenares de víctimas y casi siempre ningún culpable.

CURIOSIDADES Y NOTICIAS.

La explosión de la bomba en un hotel de Milán remite claramente a la verdadera bomba estallada en la "Banca dell'Agricoltura" en Piazza Fontana en Milán. De hecho el entierro que se ve en la televisión es el mismo de las viítimas de la matanza en Piazza Fontana, que ocurriò el 12 de diciembre de 1969.
Reseña escrita por: Fabrizio Luperto

También puedes ver otras reseñas de esta película AQUÍ

SAN BABILA HORA 20

2011-10-24T23:32:00.013+02:00

Título Original: San Babila ore 20 un delitto inutile
Director: Carlo Lizzani
Año: 1976
País: Italia
Música: Ennio Morricone
Actores: Pietro Brambilla, Giuliano Cesareo, Daniele Asti, Pietro Giannuso, Brigitte Skay +IMDB

Basada en hechos reales. Una de las mejores películas del gran Carlo Lizzani, que en esta ocasión quiso contar con actores no profesionales para encarnar a los cuatro protagonistas; tan solo Pietro Brambilla, como el cabecilla Fabrizio, tenía algo de experiencia en la interpretación. Amén de la alemana Brigitte Skay, que puede ser reconocible para algunos aficionados por ser la protagonista de ISABELLA, LA DUQUESA DEL DIABLO (1969) y también por sus papeles secundarios en BAHIA DE SANGRE (1971) y LA BESTIA EN CALOR (1977).

Esta película, al igual que otras cintas del director, están impregnadas de un estilo muy cercano al neorrealismo, heredado de sus maestros Giuseppe De Santis y Roberto Rossellini, con los que Lizzani trabajó de ayudante en algunas películas. Muchas de las escenas de SAN BABILA HORA 20 fueron filmadas con cámara oculta, consiguiendo dar un aspecto casi documental a los acontecimientos.

La película nos narra, a lo largo de un solo día, las andanzas de cuatro jóvenes del barrio de San Babila, en Milán, a mediados de la década de los 70. Michele (Giuliano Cesareo), Fabrizio (Pietro Brambilla), Franco (Daniele Asti ) y Alfredo (Pietro Giannuso) forman una banda afín a la extrema derecha. Procedentes de familias acomodadas y de clase alta, son extremadamente violentos y conflictivos. Su coartada política les sirve para realizar todo tipo de actos delictivos, que van desde "la caza al rojo" a la extorsión, pasando por agresiones de tipo sexual. Cuatro delincuentes que campan a sus anchas ante la pasividad policial.

La jornada empieza con los cuatro amigos asistiendo al multitudinario funeral de un antiguo líder fascista. Después de destrozar unas motos y meterse en alguna pelea se reunen en su bar habitual, punto de encuentro de neo-nazis y donde Fabrizio se hace confidente de un policia secreta. Luego, mientras pasean en coche, conocen a Lalla (Brigitte Skay), una chica un poco "corta" a la que llevan a un almacén para beneficiársela entre todos. Franco es el primero en pasar, pero éste se muestra torpe e incapaz; frustrado penetra violentamente a la chica con una porra. Después la amenaza para que no cuente nada a los otros amigos, temeroso de que éstos puedan dudar de su hombría.
El día continúa con la búsqueda de nuevas presas en una manifestación de izquierdas, un intento de atentado con dinamita, asalto a un sex-shop y escándalo público con pollas de goma... Tras pasar por comisaría cae la noche y lo más terrible está aun por llegar.
Reseña escrita por: Gerard f .Ordel

HISTORIA DE UNA MONJA DE CLAUSURA

2011-10-13T09:57:00.007+02:00

Título Original: Storia di una monaca di clausura
Aka: Diary of a Cloistered Nun
Director: Domenico Paolella
Año: 1973
País: Italia-Alemania-Francia
Música: Piero Piccioni
Actores: Eleonora Giorgi, Suzi Kendall, Catherine Spaak, Umberto Orsini, Martine Brochard, Paola Senatore, Konrad Georg, Antonio Falsi, Caterina Boratto +IMDB

“Sor Inés del Niño Jesús dedicó toda su existencia a aliviar los sufrimientos de los heridos de guerra, de los enfermos y de los contagiados por la peste, y murió en el desarrollo de su misión humanitaria durante la pestilencia de 1671. Nunca fue hecha santa y ni siquiera beatificada”. (Títulos aclaratorios del final de la película, basada en hechos verídicos, encontrados en el archivo documental de la Abadía de San Giacomo en la Italia de la ContraReforma).
Todavía siendo una niña de pocos meses, Carmela Rosa Simoni (Eleonora Giorgi) es prometida en futuro matrimonio por una alianza de familias de Condes para aumentar su patrimonio, entre el padre de la niña (Tino Carraro) y el padre del bebé Enrico Della Scala (Konrad Georg).

Cuando llega la edad de casarse, Carmela, que ama profundamente al joven Giuliano, se niega, por lo que su madre (Caterina Boratto) y para evitar el escándalo, la interna en un Convento de Clausura, donde Carmela pasa unas duras pruebas como novicia ante las severas reglas del convento, donde manda una Madre Superiora (Suzy Kendall) a la que le gustan las mujeres y tiene a su disposición dos monjas de refinados gustos sádicos.

Este gran sufrimiento de Carmela, a la que obligan a ponerse un “corsé” muy apretado para disimular sus hermosos pechos, viene aliviado por Sor Elisabetta (Catherine Spaak) que pronto se hace amiga suya y le enseña diversas estratagemas para burlar las reglas, ya que ella muchas noches hace el amor con el noble Diego (Umberto Orsini), aunque también siente una especial debilidad ante la belleza de Carmela, a la que quiere seducir en su celda. Para ello, utiliza todas las tretas, incluida la de proporcionarle un encuentro clandestino con Giuliano (Antonio Falsi), el hombre que ama Carmela.
Carmela se niega finalmente a satisfacer las verdaderas intenciones sexuales de su amiga, y esto hace que Elisabetta pague a unos sicarios para que le den una paliza a Giuliano, pero éstos se exceden y lo matan.

Carmela, que se ha quedado embarazada y tiene un hermoso bebé, pronto encuentra consuelo y solidaridad entre todas las monjas del convento, que se unen “en piña” para protegerla del poder de la Iglesia que ha sido avisada por una monja envidiosa y que está haciendo una inspección en la Abadía para averiguar quien es la autora de este horrible sacrilegio.
Sufriendo el desprecio también de sus padres, Carmela, encerrada en su celda de por vida, consigue huir de la Abadía llevándose a su hijo, y dejando atrás la Casa de Dios, pero también el mundo donde ha vivido que ha sido para ella un auténtico Infierno…

Ante todo hay que destacar la sobriedad con que están narrados todos los hechos verídicos que tienen además una belleza de imágenes (fotografía de Armando Nannuzzi) y una estupenda planificación fílmica que domina a la perfección el veterano director Domenico Paolella, ayudado por un guión escrito conjuntamente con Tonino Cervi, y que en 1973 rodaba esta película después de haber consumado un gran éxito de este mini género italiano, “el explotation nun” (la “sex-explotation con monja”), con otra obra maestra, “Escándalo en el convento” (“Le monache di St. Arcangelo”, 1972), donde participaba entre otras novicias, la virginal Ornella Muti.

Aquí quiero destacar el lado opuesto (como el día y la noche) entre lo oscuro, apretado y anti femenino de los hábitos monacales, contrastados con lo bello de la total desnudez del cuerpo femenino; esta sensación de blanco contra negro (en su percepción de deseo sexual), explora el subconsciente del espectador y le hace participar de un refinado goce visual donde están excluido factores grotescos, como coitos, felaciones, etc…, dejando únicamente la parte más hermosa y erótica que trasciende en una narración histórica donde no olvida el director destacar la importancia de la falta de libertad entre las clases adineradas de la época, y es por ejemplo soberbia la primera escena con los dos bebés desnudos en la cama, están siendo prometidos por sus respectivas familias en santo matrimonio.

También, “Historia de una monja de clausura” cuenta con una soberbia partitura debida al gran músico Piero Piccioni, con una parte central de coros religiosos que el compositor ya había utilizado para su anterior película con Domenico Paolella, “Le monache di St. Arcangelo”. Con todo, una auténtica maravilla musical, digna de escuchar y de disfrutar.
Fue la primera película de Eleonora Giorgi, donde pudo lucir a fondo sus fornidos pechos y su cándida belleza, en medio de un elenco de novicias donde destacan mujeres tan hermosas como Catherine Spaak, Suzy Kendall, Martine Brochard o Paola Senatore.
Una película erótica, profundamente respetuosa con el tema religioso, y también contumaz con los hechos verídicos que provocaban este tipo de tristes historias en el ámbito de un mundo dominado por la Santa y Sacra Iglesia Romana del Siglo XVII.
Reseña escrita por: Antonio Domínguez
Review: Versión italiana/ Italian version

SEPULTADA VIVA

2011-10-12T09:41:00.012+02:00

Título Original: Sepolta viva
Aka: Woman Buried Alive
Director: Aldo Lado
Año: 1973
País: Italia-Francia
Música: Ennio Morricone
Actores: Agostina Belli, Fred Robsahm, Maurizio Bonuglia, Monica Monet, Laura Betti +IMDB

Cerca de Dinan se yergue el castillo de Coetquen, del que es señor el joven conde Philippe (Fred Robsahm), casado con la hermosa Christine (Agostina Belli), hija de un pobre pescador. Este matrimonio no satisface a los hermanos de Philippe, Ferdinando (Maurizio Bonuglia) y Gael (Francis Perrin), excluidos de la herencia paterna, dado que Christine está encinta, y el hijo del primogénito será el único heredero de Coetque.
De acuerdo con Moral (José Quaglio), el intendente del palacio, los dos hermanos aprovechan la ausencia de Philippe para encerrar a Christine en el subterráneo del castillo, después de simular su muerte mediante un veneno que la deja en estado cataléptico...

Tercera película de Aldo Lado como director, después de los giallos LA CORTA NOCHE DE LAS MUÑECAS DE CRISTAL (La corta notte delle bambole di vetro , 1971) y ¿QUIÉN LA HA VISTO MORIR? (Chi l'ha vista morire?,1972). Nos encontramos ante una cinta bastante rara, más cercana al terror gótico literario de Horace Walpole que al cinematográfico de Freda, Bava y compañía. La película es un compendio de todos los elementos característicos del género: castillos fantasmales, horribles secretos familiares o maldiciones que pasan de generación en generación, decadencia, conspiraciones, tiranos, doncellas, ...

Ambientada en Francia, sigloXVIII; por momentos creemos estar viendo un drama romántico, pero la cosa avanza paulatinamente hacia zonas cada vez más oscuras y termina en una sórdida historia de locura, degradación y muerte.

El director de VIOLACIÓN EN EL ÚLTIMO TREN DE LA NOCHE (L'ultimo treno della notte, 1975) y EL HUMANOIDE (L'umanoide, 1979) hace una recreación realmente admirable de la época para una cinta de estas característica, cuidando el detalle y sacando también un gran partido a los recursos naturales (-reales) como son el castillo medieval, sus jardines, el bosque y la cascate di Monte Gelato, un escenario súper recurrente en el cine de género italiano. En ese mismo lugar se han rodado escenas de películas tan dispares como EL CLAN DE LOS AHORCADOS, LAS ADORABLES PORNO-KILLER, CICCIOLINA AMOR MÍO, TORSO VIOLENCIA CARNAL, AQUEL MALDITO TREN BLINDADO, MILANO TIEMBLA LA POLICÍA PIDE JUSTICIA.... y cientos de títulos más. Mítico.

Considero SEPULTADA VIVA la cinta más cuidada de su director, visualmente magnífica; sin que eso signifique que no nos regale momentos y situaciones demenciales. Hay crímenes, personajes crueles que violan e incluso sodomizan... por haber hay hasta insinuaciones necrófilas; por supuesto desnudez y un argumento indisimuladamente morboso. Eso sí, aquí manda la atmósfera y la intriga. No esperéis una películas de monstruos y sustos.

A destacar (otros datos y curiosidades):
La magnífica música de Morricone. Esto no es una novedad, pero quiero incidir en ello y vale la pena que la escuchéis (abajo os dejo un vídeo del tema "Romanza a Cristina" de la B.S.O).
La película tuvo una especie de secuela titulada EL HIJO DE LA SEPULTADA VIVA (Il figlio della sepolta viva, 1974) dirigida por Luciano Ercoli y protagonizada por Eva Czemerys. En ella se utilizan imágenes del film de Aldo Lado.
En su primera película, la ya mencionada LA CORTA NOCHE DE LAS MUÑECAS DE CRISTAL, Aldo Lado también tocaba el tema de la catalepsia de una forma aun más "profunda" y terrible si cabe.
Reseña escrita por: Gerard f. Ordel
B.S.O:

MÁS IMÁGENES DE "SEPULTADA VIVA":

2011-10-09T06:12:00.005+02:00

R.I.Piss your pants

PROGRAMA DOBLE JOSÉ R. LARRAZ: SÍNTOMAS (1972)/ GOLDEN LADY (1979)

2011-10-08T07:13:00.018+02:00

MR.LARRAZ, WHO'S THAT GIRL?

Hoy propongo un programa doble de la mano de José Ramón Larraz, uno de los directores españoles de serie B más a tener en cuenta durante los años 70 y 80. Larraz filmó durante dos décadas completas de forma casi ininterrumpida, algo que muy pocos directores del "eurotrash" pueden decir. Sin embargo hoy en día sigue siendo un director muy poco valorado por el fan español, todo lo contrario que en el extranjero.
SÍNTOMAS (aka; Symptoms) y THE GOLDEN LADY (aka; Los ángeles de fuego) sin duda deberían entrar en cualquier "Top" del director. La primera una cinta de horror y misterio, donde Larraz logra crear una atmósfera irrepetible en su filmografía. No faltan las muertes impactantes ni el sinuoso lesbianismo marca de la casa. La prota es Angela Pleasence, hija de Donald, pero también salen característicos de calidad como Peter Vaughan.
La película fue proyectada en su momento en la competición oficial de Cannes.
Y si SÍNTOMAS es uno de los trabajos más serios de Larraz, GOLDEN LADY, por contra, es posiblemente su película más estrictamente "explotativa". Un tardío cruce entre la televisiva LOS ÁNGELES DE CHARLIE y un JAMES BOND con tetas. Entretenimiento palomitero lleno de acción, violencia (¡OJO! no falta la sangre), música pegadiza y desnudos gratuitos.
Ambas pertenecen a la llamada "etapa inglesa" de Joseph Larraz. Una doble sesión llena de chicas tan "especiales" como peligrosas.
**********
1ª SESIÓN
**********
SYMPTOMS (SÍNTOMAS)
Título Original: Symptoms
Aka: Symptoms l'incubo dei sensi
Director: José Ramón Larraz
Año: 1973
País: Reino Unido
Música: John Scott
Actores: Angela Pleasence, Peter Vaughan, Lorna Heilbron, Ronald O'Neil, Mike Grady +IMDB

Cuando Helen Ramsay (Angela Pleasance) regresa de Suiza, invita a su amiga Ann (Lorna Heilbron) a pasar unos días con ella en un viejo caserón familiar situado en la campiña inglesa. Por allí también pulula el jardinero (Peter Vaughan) el cual parece sospechar del extraño comportamiento de Helen...

**********
2ª SESIÓN
**********
THE GOLDEN LADY
Título Original: The golden lady
Aka: Los ángeles de fuego
Director: José Ramón Larraz
Año: 1979
País: Reino Unido
Música: Varios
Actores: Christina World, Suzanne Danielle, June Chadwick, Anika Pavel, Desmond Llewelyn +IMDB

Julia Hemmingway (Christina World) es una reputada espía británica que es contratada por un importante consorcio empresarial con inversiones en Oriente Medio para que desestabilice a los rivales soviéticos que amenazan futuros proyectos. Cuando Julia y su equipo de súper agentes femeninos entran en acción la situación se torna impredecible...

***************************
FIN DEL PROGRAMA DOBLE
***************************

Escrito por: Gerard f. Ordel

Y AHORA QUÉ, SEÑOR FISCAL

2011-10-03T05:51:00.015+02:00

Título Original: Y ahora qué, señor fiscal
Aka: Muchachos de barrio; Orgasmo sobre una muerta
Director: León Klimovsky
Año: 1977
Productor: Ignacio F. Iquino
País: España-Mexico
Música: Enrique Escobar
Actores: Valentín Trujillo, Ricardo Masip, Verónica Miriel, Leticia Perdigón, Silvia Solar +IMDB

A través de las confesiones de José (Valentín Trujillo), un muchacho procedente de los bajos fondos, conocemos los hechos que propiciaron su entrada en prisión tras la traición de su compinche "El Mangas" (Ricardo Masip), ambiguo personaje con trazas de psicópata sexual. También sabremos de su relación con Paloma (Leticia Perdigón) una joven de clase alta barcelonesa y de como un sencillo robo planeado por estos tres personajes acaba en una terrible pesadilla.

Y AHORA QUÉ, SEÑOR FISCAL fue estrenada para las navidades de 1977, al mismo tiempo que lo hacía PERROS CALLEJEROS, película considerada el inicio y patrón del “Cine Quinqui”. Sin embargo la cinta de Klimovsky-Iquino no tuvo, a todos los niveles, la misma repercusión que la de José Antonio de la Loma, quedando, pudiera ser que relegada por su escabrosidad, estigmatizada de por vida. Además (o en consecuencia) de ser frecuentemente omitida en todas clase de listas y estudios que se realizan sobre el género quinquillero.

Dirigida por el entrañable León Klimovsky, aunque como bien apunta Ricard Reguant en su blog la cinta lleva la marca de Ignacio F. Iquino. Reguant lo explica así: “Iquino había cogido un camino cercano a lo que se podía denominar (¿?) cine de denuncia, pero utilizando una estética mas cercana al cine puramente erótico al estilo del que se hacía en Francia (le encantaba MAX PECAS). Las películas tenían títulos pretendidamente “fuertes”, como ABORTO CRIMINAL, CHICAS DE ALQUILER, LAS MARGINADAS o Y, ¿AHORA QUE SEÑOR FISCAL?, que firma como director León Klimovsky, pero que en realidad lleva el sello inconfundible de Iquino. ”

Y AHORA QUÉ, SEÑOR FISCAL es un sórdido drama de clases, donde no falta la violencia y la acción juvenil de extrarradio, peleas en los patios y baños de las cárceles, sexo y desnudos dignos del cine "S"… la guinda del pastel será una violación de tintes necrófilos. De hecho uno de los títulos alternativos que después se utilizó para una fotonovela del film fue "ORGASMO SOBRE UNA MUERTA".

Tal vez con otra banda sonora (ese Stelvio Cipriani reciclado por De la Loma o Los Chunguitos de Carlos Saura), algo más de acción y un protagonista patrio (al mexicano Valentín Trujillo se le ve algo desubicado) ahora estaríamos hablando de un clásico menor pero de mayor difusión.
El mencionado Trujillo realizó en su país varias películas que, a su manera, pretendían seguir la estela del fenómeno quinqui español; entre ellas las explotativas PERRO CALLEJERO (1980) y PERRO CALLEJERO 2 (1981), ambas dirigidas por su tio Gilberto Gazcón.

Otras curiosidades:
-Y AHORA QUÉ, SEÑOR FISCAL está basada en la novela homónima de José Luis Martín Vigil, autor igualmente de "La droga es joven" libro que también fue llevado al cine con el título de CHOCOLATE (Gil Carretero, 1980), donde el propio escritor ovetense supervisó el guión . Decir que Vigil era un sacerdote de dilatada experiencia en el trato con jóvenes delincuentes y marginados sociales.
-La película fue clasificada para mayores de dieciocho años y llevó a 523.609 espectadores a las salas, mientras que PERROS CALLEJEROS estrenada en las mismas fechas atrajo a 1.813.732.
-Ignacio F. Iquino firmó el guión con su seudónimo habitual de Steve McCoy.
-Mención especial merece el perfido amigo del prota, interpretado por el actor de culto Ricardo Masip, un año después visto en la sorprendente ENSALADA BAUDELAIRE (Leopoldo Pomés, 1978).
Reseña escrita por: Gerard f. "Ordel"
Más imágenes de Y AHORA QUÉ, SEÑOR FISCAL:

INTERLUDIOS MUSICALES Y B.S.O: Osanna & Luiz Enriquez Bacalov....

2011-09-22T12:20:00.010+02:00

-MILANO CALIBRO 9 (1972)-

EL PERRO

2011-09-16T23:53:00.002+02:00

Título Original: El perro
Aka: A Dog Called... Vengeance
Director: Antonio Isasi-Isasmendi
Año: 1976
País: España
Música: Antón Garcia Abril
Actores:Jason Miller, Lea Massari, Marisa Paredes, Aldo Sambrell, Juan Antonio Bardem, Yolanada Farr, Manuel de Blas, Antonio Gamero, Francisco Casares, Miguel Rellán, Claudia Gravi, José Vivó, Antonio Mayans +IMDB

En un país sudamericano, Leónidas Arévalo es un dictador al que muchos llaman “El Benefactor”, pero que toda la oposición al Régimen lo conoce con el sobrenombre de “El perro”.
En un campo de prisioneros políticos de la jungla, se escapan dos rehenes y son perseguidos sin tregua por el cruel guardián Zancho (Francisco Casares) y su feroz perro, especializado en dar caza y matar a los fugitivos. Habiendo acabado el perro con la vida de uno de ellos, el otro rehén, Arístides Ungría (Jason Miller), logra matar a Zancho, pero éste antes de morir le susurra al perro una palabra en alemán: “DOODT” (Mata).

Arístides Ungría es un matemático, miembro del Partido de Oposición, que lleva un mensaje cifrado que le ha encomendado el Profesor antes de morir para que lo entregue a la Resistencia, donde está la clave del día y hora de la insurrección para dar un golpe de estado que pretende acabar con la vida del dictador. Se verá ferozmente acosado por el perro, que lo acorrala a muerte en la jungla y supera todas las dificultades para perseguir a su presa, llegando incluso, herido de muerte, a la ciudad, donde finalmente Arístides ha logrado contactar con su mujer Muriel (Lea Massari), que ahora y por dar sustento a su hija es la amante del lugarteniente de Leónidas Arévalo (Aldo Sambrell), poniéndose también en comunicación con el jefe de la Resistencia (Juan Antonio Bardem).

La tensión llega a su clímax final el día “D”, donde el Dictador y el Perro van a confundirse en el objetivo de las balas, ya sean de pistola o de un fusil con mira telescópica, mientras Arístides intenta escapar corriendo para alcanzar una avioneta en el aeropuerto, perseguido hasta el último segundo por el feroz perro.

Lo primero que hay que comentar es el oportuno momento de la realización de esta película en España, 1976, donde nuestro particular “benefactor” para algunos y “perro” para otros, acababa de morir, y empezaba la transición democrática. Este hecho histórico hace posible que Antonio Isasi Isasmendi se traslade a Sudamérica, concretamente a Venezuela y su capital Caracas, para rodar la novela de aventuras de Alberto Vázquez Figueroa “Como un perro rabioso”, pero con un guión muy conseguido de Juan Antonio Porto (que también en la película hace el papel de un sacerdote rebelde), transmitiendo a través de la simple aventura de la novela de Figueroa, donde el perro es el protagonista absoluto, cruel, feroz y salvaje (son estupendas las imágenes donde con un truco de cámara vemos lo que divisa el perro); y llegar a un encuentro con el cine político, desarrollando un trepidante thriller que pone un broche de oro en el cine de Antonio Isasi Isasmendi, que con su magistral sentido del montaje fabrica una parte final de la película con una emoción llevada al límite cuando cambia de objetivo el rifle, la pistola, el perro, el dictador, la bala que se dispara y los muertos. Algo, sencillamente sublime que vale la pena ver y disfrutar.

Además está un extraordinario reparto de grandes actores españoles donde destacan Marisa Paredes, Francisco Casares, Aldo Sambrell, Yolanda Farr, Claudia Gravi, José Vivó, Antonio Gamero, Miguel Rellán, Manuel de Blas, Antonio Mayans (perdón por los que omito porque me parece que están aquí todos estupendos), que van interviniendo en la película con un tono coral, y que a la vez está estructurada en dos partes bien diferenciadas: la persecución por la selva, y luego en su entorno urbano, donde terroristas y policía del régimen hacen casi más peligroso el asfalto que la propia jungla. Además interviene como dando “la bendición” a esta película, el gran director Juan Antonio Bardem, que no puede evitar intervenir haciendo un personaje de izquierdas y sentir simpatía por una película que incluye además una escena como alegoría a la muerte del comunista Julián Grimau que “cayó” por una ventana de una comisaría en la España de 1963, y que en esta película lo representa alegóricamente El Profesor, al que “lo hacen saltar al vacío también por una ventana” los guardianes de la prisión.

La música, fantástica y a tono con toda la película está compuesta por Antón García Abril, un compositor de lo mejorcito que ha tenido nuestro Cine Español, y, que desgraciadamente los derechos de autor retiraron hacia una vida menos laboriosa, dejando de aportar a la sociedad española su gran talento musical. A pesar de todo, sus temas fueron expuestos como piezas de concierto en los I Encuentros Internacionales de Música de Cine, celebrados en Sevilla en 1986, dirigidos por el propio compositor y registrados en Long Play, por el sello español de la época VINILO.
Una película trepidante, espectacular, sin un momento de respiro y muy, muy recomendable de cuando fue extraordinario (como si de una edad de Oro se tratase y que ahora ha perdido todo su Norte) nuestro Cine Español y uno de sus grandes directores: D. Antonio Isasi Isasmendi.
Reseña Escrita por: Antonio Domínguez.
Review: Versión en italiano/ Italian version

ENTREVISTA A UMBERTO LENZI

2011-09-13T23:51:00.017+02:00

¡Quién le iba a decir al joven Umberto Lenzi cuando empezaba sus estudios en el Centro Sperimentale di Cinematografia, ahora llamada la Scuola Nazionale di Cinema, que pasaría a la historia como uno de los directores más importantes del cine de explotación! Él quería ser como Raoul Walsh o Sam Fuller, pero cincuenta años después está hasta los “coglioni” de que le pregunten por su rivalidad caníbal con un tal Ruggero Deodato.
Que sí, que yo también conocí a Lenzi con infectas copias vhs de Caníbal Feroz, La invasión de los Zombis Atómicos y Comidos Vivos… ¡Y bien que las sigo disfrutando! Pero oigan, que ahora con esto de Internet y las reediciones en DVD no hay excusa.
Sus pasotes gore siempre formarán parte de nosotros, sin embargo, para conocer al mejor Lenzi y descubrir su verdadera dimensión como director hay que adentrarse en los suburbios de Roma, Nápoles o Sicilia, con sus violentos poliziescos, o dejarse hipnotizar por su musa Carrol Baker y sus odiseas psycho-sexuales en glorioso formato giallo-visión. Peplums, spaghetti westerns, euro-spy, sandokanes… El cine de géneros europeo, el de pipas y programa doble de sábado tarde, no sería lo mismo sin él. Umberto Lenzi lleva casi veinte años retirado de la dirección, pero a sus ochenta años sigue viajando por diferentes festivales donde le homenajean y dedican retrospectivas. Y él tan contento.

UMBERTO LENZI: CAPO DE GÉNEROS
(Entrevista a Umberto Lenzi por Gerard f. Ordel)
-Mr Lenzi, ¿a qué se dedica actualmente?
U.L: Ahora me gusta escribir thrillers. Los ambiento en el mundo del cine italiano de los años cuarenta y cincuenta. Mezclo historia y suspense como en uno de mis últimos libros, DELITTI A CINECITTÁ, que tuvo gran éxito en Italia. Hace poco salió la secuela TERRORE AD HARLEM.

-Como si de un giallo se tratase, ¿quién fue el asesino del cine de género en Europa? ¿Tal vez las superproducciones yanquis?
U.L: ¡El asesino del cine de género en Europa ha sido la televisión!

-¿Qué le parece que directores “modernos” y de éxito admiren sus películas? Un ejemplo de esto serían Tarantino y Robert Rodríguez, de hecho PLANET TERROR (2007) está algo más que inspirada en LA INVASIÓN DE LOS ZOMBIS ATÓMICOS (Incubo sulla città contaminata, 1980); amén de que el director de Pulp Fiction (1994) es fan confeso de sus películas policiacas…
U.L: Soy amigo de Quentin. Estuve con él en le Festival Internacional de Cine de Venecia en el 2004. Allí nos conocimos y nos caímos muy bien. Quentin y Joe Dante presentaron el pase de mi película Orgasmo (1969). Por supuesto, soy feliz de que admiren mis películas.

-Precisamente la última película de Tarantino es Inglorious Basterds, desde el título un homenaje al espíritu de los films bélicos italianos de serie B. Usted rodó un buen puñado, como LA BRIGADA DE LOS CONDENADOS (La legione dei dannati, 1969), LOS JÓVENES LEONES (1978), DE DUNKERKE A LA VISTORIA (1979)…
U.L: Sí, he rodado varias películas de guerra. Pero es lógico, porque además de director de cine, también soy historiador del siglo XX. Me encantan las dos cosas.

-Uno de los mejores directores de películas de guerra era Sam Fuller, por el que usted siente mucha admiración…
U.L: Sí. De Fuller me gusta su falta de conformismo, como hombre y director.

-Antes hablábamos de LA INVASIÓN DE LOS ZOMBIS ATÓMICOS (Incubo sulla città contaminata, 1980) filmada en Madrid, al igual que muchas otras como SANDOKÁN, EL MAGNÍFICO (Sandokan, la Tigre di Monpracem, 1963) en Castelldefels o EL OJO EN LA OSCURIDAD (Gatti rossi in un labirinto di vetro, 1975) que fue rodada en Barcelona. ¿Cómo recuerda trabajar en España?
U.L: Buff…He rodado por toda España. He trabajado en Madrid, Barcelona, Mallorca, Almería… y muchos otros lugares. En mayo de 1968, siendo anarquista, en lugar de rodar LA HORA DEL CORAJE, quería hacer la revolución como la de Durruti en Barcelona en 1936. De verdad era la hora del coraje, pero no lo tuve bastante… (risas).

-Usted ha dirigido varios giallos. Su trilogía formada por ORGASMO (Orgasmo, 1969) ASÍ DE DULCE, ASI DE MARAVILLOSA (Cosi Dolce… Cosi Perversa, 1969) y UNA DROGA LLAMA HELEN (Paranoia, 1970) son de lo mejor del thriller italiano de la época. Todas tenían a Carrol Baker como protagonista…
U.L: ¡Carrol era una mujer cojonuda!... ¡Pero no lo escribas así!... (risas).

-LA MÁSCARA DE KRIMINAL (1968), basada en un cómic, es toda un cult-movie hoy en día. ¿Cómo se gestó el proyecto?
U.L: Tuve la idea de rodarla cuando estaba leyendo el cómic. Lo escribí sin nada de sangre ni de violencia. Era una coproducción con Copercines, de Madrid. El productor, Eduardo Manzanos, era un fascista y no amaba las matanzas… ¡a no ser que fueran de rojos!

-Uno de mis géneros preferidos es el poliziesco, donde usted tiene una de las filmografías más potentes. Sus primeros pasos en el género fueron LOS CLUBS DE LA DOLCE VITA (Milano Rovente, 1973) y MILANO ODIA (Milano Odia: La Polizia non Puó Sparare, 1974).
U.L: Creo que Milano Odia es, de verdad, un gran film, como Roma a Mano Armada (Roma a mano armata, 1976) y Nápoles Violenta (Napoli violenta, 1976). También le tengo un gran cariño a Da Corleone a Brooklyn, que dirigí a finales de la década de los setenta.

-Conozco Da Corleone a Brooklyn. En España se tituló MATAR AL TESTIGO (1979) y el protagonista era Maurizio Merli…
U.L: Fue la última película con él. Filmada en Sicilia y Nueva York. Muy amarga en el final de la historia. A Maurizio lo recuerdo como un actor valiente, generoso y fuerte…sin embargo esto no le valió lo suficiente.
(nota: Merli murió en 1989 con tan solo 49 años de edad)

-¿Es verdad que para Milano Odia había pensado un papel para el gran Richard Conte?
U.L: Sí, sí… es cierto. Conte debía haber hecho el papel del comisario Walter Grandi, pero su repentina muerte lo mando todo al traste. Al final su personaje lo encarno Henry Silva

-Milano Odia es una obra maestra del género con un tremendo Tomas Milian de protagonista. Con el “actor’s Studio” cubano volvería atrabajar en más títulos. ¿Era tan especial como dicen?
U.L: Milian es un gran actor y un hombre de honor. Ahora vive y trabaja en Estados Unidos con éxito.

-Milian interpreta a un policia llamado Rambo en DESAFÍO A LA CIUDAD (Il Giustiziere sfida la città, 1975) película que parece una especie de revisitación en clave poliziesca del Yojimbo de Akira Kurosawa ¿era esa su intención?
U.L: Más bien de Por un Puñado de Dólares y por extensión de la película de Kurosawa.

-Dardano Sacchetti y usted escribieron el guión de CON LA LEY Y CON EL HAMPA (Il Trucido e lo Sbirro, 1976) donde aparece por primera vez Sergio Marazzi “Monnezza”, uno de los alter ego más populares de Milian. ¿Cómo surge este personaje tan característico?
U.L: Fue fácil, sólo había que ojear las crónicas de sucesos de aquel tiempo para encontrarse a muchos Monezzas.

-Dos últimas, Sr.Lenzi. ¿Cuál es la actriz más bella con la que ha trabajado? ¿De que películas se siente más orgulloso?
U.L: La actriz más bella... después de Carrol Baker está Mónica Randall, o sea Aurora Julia de Barcelona. Películas me quedó con Milano Odia y también con Orgasmo.

Muchas gracias señor Lenzi, verá que no le he preguntado sobre sus películas de caníbales y su rivalidad con Ruggero Deodato…
U.L: Perdóname, son tonterías. No hubiera contestado.

Entrevista realizada en julio de 2009.
*Publicada en Octubre de 2010 en el fanzine 2000 MANIACOS. Lo que transcribo aqui en el blog es una versión ampliada de la misma.

INTERLUDIOS MUSICALES: HOT SUMMER IN THE CITY

2011-09-13T13:31:00.014+02:00

En las próximas horas Cine de Medianoche retoma la actividad para iniciar su cuarta temporada, permanezcan atentos. Mientras tanto disfruten de este agradable interludio musical.

Hot Summer in the City (Gail Palmer, 1976) es algo más que un porno setentero, la cosa oscila entre las primeras blaxploitation de Melvin Van Peebles y la más nauseabunda roughie movie. Esta cinta de culto absoluto comienza con el tema "Summer in the City" de The Lovin' Spoonful... y desde ese momento, sabemos que la cosa va en serio.

Una imagen de HOT SUMMER IN THE CITY (1976):

Reseña musicada de: Gerard f. Ordel

PEOR... ¡IMPOSIBLE! XIII

2011-08-23T07:09:00.012+02:00

Ya tenemos el programa del ciclo cinematográfico Peor Imposible 2011, en su 13ª edición, bajo el título-premisa "UNA RISA... DE PÁNICO". Y aquí os lo presento, cortesía de su director, Chus Parrado. Se celebra un año más en el Centro de Cultura Antiguo Instituto de Gijón, del 29 de agosto al 03 de septiembre, de lunes a viernes a partir de las 18.00 h y el sábado desde las 11:30 de la mañana.

Este año se da preferencia al terror y a los monstruos clásicos, pero en sus versiones más delirantes y enfermizas; sirvan como ejemplo el Frankenstein de «Frankenstein's Castle of Freaks» (1974), el licántropo -en este caso licántropa- de «La Lupa Mannara» ( 1976), la momía de «Vudú Sangriento» (1974), los Zombis de «Zombie Nosh» (1988) o el Vampiro de «Drácula en Pakistán» (1967). Pero como digo esto son sólo algunos ejemplos, hay mucho más...

En esta edición se le dedicará un espacio importante al serial cinematográfico, el antecedente de las actuales series televisivas. En este caso uno de los seriales más aclamados por el público: «Las aventuras del Capitán Marvel», dirigido en 1941 por John English y William Witney y protagonizado por Tom Tyler. Consta de 12 capítulos que podrán verse a lo largo el ciclo.

Y por supuesto habrá mesas redondas con invitados de luxe, para este año está confirmada la presencia de nombres tan importante y de referencia como son los de Tomás Fernández Valentí y Javier G. Romero. He de confesar que estas mesas redondas son los momentos que más disfruto del Peor Imposible.

Bueno, amigos de Cine de Medianoche, yo, que este año tampoco me lo voy a perder, espero encontrarme con alguno de vosotros por ahí y saludaros en persona, no dudéis en escribirme al correo. De momento aquí os dejo el programa completo. Pinchar sobre la imagen para aumentar y ver al detalle.

INTERLUDIOS MUSICALES Y B.S.O: BAROCCO A QUATTRO VOCI

2011-08-21T05:05:00.007+02:00

De la película LA CORTESANA (La calandria, 1972), dirigida por Pasquale Festa Campanile; con tres habituales de la Sex-Comedy italiana: BARBARA BOUCHET, LANDO BUZZANCA y AGOSTINA BELLI. Uno de los temas compuestos por Giannni Ferrio para la banda sonora, Barroco a cuatro voces...

-Una breve reseña musical de: Gerard f. "Ordel"

MACISTE EL INVENCIBLE

2011-08-18T20:09:00.011+02:00

Título Original: Maciste, l'uomo più forte del mondo
Director: Antonio Leonviola
Año: 1961
País: Italia
Música: Armando Trovajoli
Actores: Mark Forest, Moira Orfei, Paul Wynter, Raffaella Carrá, Franca Polesello, Janine Hendy, Gianni Garko, Enrico Glori, Nando Tamberlani, Roberto Miali +IMDB

-UNA DE MACISTE-
(por Chus Parrado)

Dirigida por Antonio Leonviola en 1961, MACISTE EL INVENCIBLE, se convirtió en una de las más populares películas del público infantil y juvenil que poblaba los cines de barrio, así como una de las más conocidas aventuras del hercúleo héroe, el propio director volvería 2 años más tarde a filmar la misma historia, efectuar un remake, titulándola TAUR REY DE LA FUERZA BRUTA. Huelga decir que sustituyó al entrañable forzudo por el mostrenco del título.

En esta ocasión el héroe debe desbaratar los planes de dominación de una raza subterránea, denominada LOS HOMBRES DE LA NOCHE, que se desintegran cuando su cuerpo recibe los rayos solares. Como es habitual en este tipo de historias prima la fuerza sobre la inteligencia, vamos que una de las caracteristicas de estos héroes musculados, sino la pricipal, es el solmenar.

Aquí le harán soportar cantidades ingentes de toneladas de acero con la fuerza de sus músculos, y también deberá, en desigual combate, vérsela con un gorila, el traje de simio debe estar apolillado, da igual, al final acabará tirando abajo el imperio de los HOMBRES DE LA NOCHE.

En esta ocasión Maciste correrá sus aventuras acompañado de un herculeo negro, cosa que menos mal que la película se hizo en su momento, porque por la relación que se establece entre ellos, hoy o las fuerzas de orden público cierran los cines o simplemente no se hace.

Tambien está RAFFAELLA CARRÁ, ejerciendo de sufrida princesa, antes de descubrir que para hacer el amor había que dirigirse al sur y le explotase su corazón. Por último indicar que la película comienza con Maciste tirando de un cordel para arrastrar una ballena, imaginamos que la ha pescado para su sustento.

********************

MÁS IMÁGENES DE MACISTE EL INVENCIBLE:

CIUDAD VIOLENTA

2011-08-16T21:40:00.009+02:00

Título Original: Città violenta
Director: Sergio Sollima
Año: 1970
País: Italia-Francia
Música: Ennio Morricone
Actores: Charles Bronson, Michel Constantin, Telly Savalas, Jill Ireland, Umberto Orsini +IMDB

Sergio Sollima, que ya había conseguido como director dignificar el género Euro Spy con su agente secreto 3-S-3, y también el Spaghetti Western, donde ya nos había regalado tres estupendas películas, dos de ellas con su personaje de Cuchillo Sánchez, y una más, también excelente, con el mismo actor Tomás Milian (“Cara a cara”), rueda en 1970 con un mayor presupuesto y coproducida con Francia, la primera de sus películas enmarcadas en el cine de gángsters, “Ciudad violenta”, trabajando un férreo guión junto a Lina Wertmuller, Massimo de Rita, Arduino Maiuri y Gianfranco Galligarich.

Sergio Sollima, vuelve a centrarse en retratar la historia de un perdedor, ofreciendo los más variopintos matices de este personaje y subvirtiendo su moralidad, para que este asesino a sueldo sea el héroe de la película, e insistiendo en que la violencia está siempre organizada por la sociedad con efectos mucho más mortíferos que la que produce una sola persona.

Jeff Heston (Charles Bronson) es un asesino a sueldo que se define a sí mismo como un “profesional”, ya que siempre termina todos los trabajos que empieza, quitando de en medio a la persona que está encargado de asesinar. Está de vacaciones en las Islas Vírgenes junto a su esposa Vanessa (Jill Ireland) cuando conduciendo su coche se da cuenta de que lo siguen para matarlo. Después de una persecución, un amigo le dispara y cae herido en una emboscada, aunque logra eliminar a sus perseguidores mientras ve como éste huye en otro coche junto a su mujer que lo ha traicionado.

Condenado a dos años de prisión por homicidio involuntario, cuando sale de la cárcel rechaza el trabajo que le ofrece Al Weber (Telly Savalas), un jefe de la Mafia que quiere ahora que sea uno de sus sicarios. Jeff dispara con un rifle de mira telescópica a las ruedas del coche de carreras de su amigo y lo mata, pero es fotografiado por un hombre de Weber, que utiliza estas pruebas para chantajearlo.

Así encuentra a su antigua esposa convertida ahora en la mujer de Weber, y también decide matarla, pero Vanessa lo convence de que se tuvo que casar con Weber, que lo ha preparado todo para que la mate, por lo que, a quien debe matar él es a Weber y así escapar los dos juntos. Cuando lo hace y acude al hotel donde tiene la cita con ella, está esperándole la Policía. Jeff se dá cuenta de que ha vuelto a ser traicionado por Vanessa, que ahora y como la viuda de Weber se quedará con la totalidad de las acciones de sus empresas…
La película se gestó durante el año 1969 y quería contar para los principales personajes con John Voight y Sharon Tate, actriz que fallecía asesinada en Agosto, por lo que se buscó otro casting ofreciendo el papel del protagonista a Charles Bronson, que comenzaba a hacer películas en Europa con una relativa fama y quien puso como condición para rodarla, hacerlo junto a su esposa Jill Ireland que la había conocido en 1967 durante el rodaje en España de “Villa cabalga”; y es que “Ciudad violenta” es la primera de las muchas películas protagonizadas por la pareja Bronson-Ireland, y que en este caso, ambos consiguen una química fuera de lo común, que se manifesta tanto en las escenas eróticas como en aquellas otras donde el odio está presente y los sentimientos estallan a flor de piel.

El rodaje simulando las Islas Vírgenes, lo hicieron en realidad en una isla de Ibiza pre turística donde las persecuciones con los coches contaron con el asesoramiento técnico de ese magnífico especialista francés que es Remy Julienne. Además los franceses introdujeron en el reparto a Michel Constantin, habitual del cine noir francés y estupendo actor que había despuntado en las películas de José Giovanni.

El personaje mafioso corre a cargo del gran Telly Savalas, que aporta un rostro y unos tics interpretativos que pronto lo harán famoso en el cine europeo, y para concluir no hay que olvidar mencionar a ese gran actor que es Umberto Orsini y que aquí interpreta a un abogado corrupto.

“Ciudad violenta” nos habla de la traición en la pareja y en la vida y cuenta con escenas increíbles, como la de ese ascensor de cristal que sube por el rascacielos, y que simula una jaula mortal, donde sus ocupantes son acribillados a balazos, consiguiendo Sergio Sollima una película de acción trepidante apoyada por la dinámica música de Ennio Morricone que como siempre construirá una banda sonora antológica y destacada entre las muchas que tiene.
En definitiva, una película muy entretenida y que tiene un discurso de Sergio Sollima, donde dignifica al killer y lo sitúa por delante de una sociedad corrompida que vive para conseguir el poder y el dinero, utilizando la hipocresía, el sexo interesado y la violencia.
Reseña Escrita por: Antonio Domínguez
Review: Versión en Italiano/ Italian Version

******************************

TRAILER CIUDAD VIOLENTA:

CARA QUEMADA

2011-08-15T21:25:00.009+02:00

Director: Ramón Monfá
Año: 1980
País: España
Música: Ricardo Recuero
Actores: Marta May, Imma Xaloc, Alberto Gonzalez, Julia Cavallero, Alex Guiu +IMDB

Tras varios cortometrajes, entre ellos SOLO, proyectado en el festival de Sitges de 1971, Ramón Monfá realiza en 1980 su primer y único largometraje: CARA QUEMADA.

Una cinta independiente, cercana al cine underground, seguramente herencia de sus anteriores trabajos, más próxima al cine de autor que a cualquier otra cosa, pero con ciertos matices que nos hacen creer por momentos estar viendo una cinta de suspense y terror, e incluso, en sus momentos más locos, una comedia-erótica clasificada “S”….

Todo transcurre en una urbanización. En uno de los apartamentos se ha instalado una prostituta que pretende hacer negocio en la colonia. Lo primero que hace es “promocionarse” bailando desnuda en el balcón. Pronto capta la clientela, y sus nuevos vecinos empiezan a desfilar. Un detalle cachondo, que hará entender mejor mi comentario acerca del cine “S”, es que cobra a los clientes según su peso: a 100 pesetas el kilo. Es decir, si el menda de turno pesa 80 kilos, el polvo le sale a 8000. A uno de ellos, con graves problemas de obesidad, le vemos darle a la bicicleta estática una y otra vez, intentando reducir, más que tripa, tarifa. Todos pasan por la báscula, ante la atenta mirada del chulo, el noviete cachas de la mesalina.

Al lugar llega también Inma, una joven que viene a pasar las vacaciones con su tía y el hijo de ésta, un niño de siete años. También ronda por ahí un campeón de motocross que realiza sus entrenamientos en un descampado cercano y que acaba ligando con Inma. Al poco la televisión y la radio local anuncian una serie de asesinatos perpetrados por un psicópata, al que algunos testigos describen como un vampiro.

El conflicto estalla cuando el pánico se apodera del lugar y las mujeres no dejan salir a sus maridos de casa, por lo cual no tienen escusa alguna para poder visitar a la alegre vecinita. Así pues , ante tales circunstancias, forman una especie de brigada de puteros indignados, una banda de justicieros horteras que, más que buscar la seguridad de sus familias frente al asesino que anda suelto, buscan poder volver a su cotidianidad puteril.

Contado así la cosa suena como muy a chiste, sin embargo en la peli todo tiene un aspecto más dramático, el cual se acentúa con algunas imágenes y momentos turbadores; por ejemplo, las violentas películas que visionan los niños o las terribles noticias que se escuchan en la tele sobre bebés devorados por ratas, cráneos humanos con cuernos o adolescentes que maltratan a sus padrés (hace 30 años no era nada común).

También hay un parto real y una secuencia muy extraña que transcurre en una discoteca, en la que la gente empieza a caer desplomada y que no queda muy claro si se trata de un recuerdo o un sueño.
Como curiosidad decir que, en un momento dado, vemos a las dos protagonistas femeninas viendo una emisión del cortometraje de Ramón Monfá SOLO (1971), antes citado.

Sorprende que la película fuera clasificada para mayores de 16 años, pues eran los años del cine “S”, cuando a cintas mucho más inofensivas que esta se les colocaba el restrictivo anagrama en el cartel; ya fueran de terror sangriento, violencia o con desnudos. CARA QUEMADA tiene desnudos, sexo soft y algo de violencia, no muy explicita pero sí que pudiera resultar incomoda para algunos espectadores. Desde luego su “temática y contenido” es digno del universo “S”.

Pero ahí no acaba la cosa, un par de nombres habituales que la relacionan son el cine erótico de la transición: Enrique Guevara, acreditado en labores de director de producción, pero responsable de títulos como Una loca extravagancia sexy(1978), Caliente y cruel-cuento de tortura (1978), El mundo sexual de la pareja (1982)... Y la actriz Julia Caballero en el papel de la prostituta y vista en Orgasmo caliente (1981) también de Guevara, Los ritos sexuales del diablo (1982) , Bacanales romanas (1982), El hombre del pito mágico (1983)... por citar algunas. También destacar a Marta May, prácticamente la única actriz con cierto bagaje profesional y a la recordamos por El ojo en la oscuridad (1975) , Metralleta Stein (1975) o Presagio (1970).

CARA QUEMADA es hoy en día toda una rareza que sólo fue posible en una etapa muy concreta de nuestro cine, en la que hay que situarse para entenderla y valorarla, más allá de sus defectos, en su justa medida. Estrenada el mismo año, 1980, que el ARREBATO de Zulueta, DIMORFO de Rodjara o PEPI, LUCI, BOM de Almodovar. Tales referencias no son baladí, la peli de Monfá también debe ser recuperada cuando hablamos de un determinado cine español.
Reseña Escrita por: Gerard f. "Ordel"

DEPRAVACIÓN

2011-08-12T05:56:00.014+02:00

Director: Isabel Mulá (I. Mark Lane)
Año: 1983
País: España-Francia
Música: CAM
Actores: Robert Gras (José Gras), Francoise Perrot, Concha Valero, Jaime Bascu, Jordi Batalla +IMDB

Victor Kinski (así se llama el personaje) es un escritor con ínfulas de maldito que regresa a una pequeña aldea tras años de ausencia. Allí se encuentra con una ex pareja. Pronto sabremos que Kinski se quedó viudo no hace mucho tiempo.

A Kinski le gustan los excesos sexuales, que traslada de su vida a las novelas y viceversa. Abusa de las mujeres, viola a sus parejas, les incita a practicar retorcidos juegos eróticos, mea sobre ellas después del coito e incluso les ata y azota. Es un desequilibrado con remordimientos por la muerte de su esposa, a la cual abocó al suicidio y ahora cree ver resucitada en demenciales visiones...

Oficialmente atribuida a la productora y guionista Isabel Mulá (en realidad sólo dirigió una parte). Depravación es otra joyita del cine "S" español que, a pesar de su evidente carencia de medios, cabe situarla por encima de la media entre los films eróticos españoles estrenados durante la transición.

Mucho morbo en sus protagonistas femeninas, Françoise Perrot y Concha Valero, ambas con el pelo "a lo chico" y unas filmografías labradas exclusivamente en el soft y el porno. Victor Kinski es José Gras (alias Robert O'neil) actor con porte de play-boy en paro, que se convirtió en uno de mis fetiches tras verle en Los Violadores (Mad Foxes, Paul Grau 1981) y que ya presentó credenciales en Apocalipsis Caníbal (Virus, Bruno Mattei 1980).
Depravación se estrenó en julio de 1983, cuando la mítica "S" lanzaba sus últimos estertores.
Reseña Escrita por: Gerard f. "Ordel"

UNA MARIPOSA CON LAS ALAS ENSANGRENTADAS

2011-08-11T21:36:00.011+02:00

Título Original: Una farfalla con le ali insanguinate
Director: Duccio Tessari
Año: 1971
País: Italia
Música: Gianni Ferrio
Actores: Helmut Berger, Evelyn Stewart (Ida Galli), Silvano Tranquilli, Giancarlo Sbragia +IMDB

“El pasado no existe porque ya ha trascurrido. El futuro no existe porque debe llegar todavía. Existe sólo el presente, pero puede componerse de pasado y de futuro si existe un punto de encuentro”. Con esta cita comienza “Una mariposa con las alas ensangrentadas”, una película de Duccio Tessari que se enmarca dentro del género giallo, tan de moda en Italia a comienzos de los años setenta, teniendo en su título el guiño del nombre de un animal, una mariposa, que no es otra cosa, sino un hermoso broche que lo lleva Françoise Pigaut, una chica francesa (Carole André), estudiante de música, que queda impregnado de sangre cuando es apuñalada con cinco navajazos en un bosque. Al caer muerta entre las hojas secas, deja un disco de vinilo, la Sinfonía n. 1 de Peter Tchaikovsky, que será el motivo musical que Gianni Ferrio utilizará para hacer luego unas variaciones cromáticas sobre música pop.

El crimen es descubierto por dos chiquillas que van al colegio (una de ellas es Federica Tessari, la hija del director) y la investigación corre a cargo del Inspector Berardi (Silvano Tranquilli), que como todos los jefes de policía, tiene su particular neurosis, en este caso siempre se queja a su ayudante cuando le sirve el café, que si está frío, que si está ardiendo, etc… y no se lo toma! Las sospechas recaen sobre Alessandro Marchi (Giancarlo Sbragia) un presentador televisivo que tiene una relación amorosa en Bérgamo con Marta Clerici (Lorella de Luca), una mujer de dudosa moralidad que le proporciona chicas para que las fotografie desnudas.

Su abogado Giulio Cordaro (Günther Stoll) no consigue demostrar su inocencia y Marchi ingresa en prisión, aunque al letrado le viene muy bien porque es amante de su mujer Maria Marchi (Ida Galli), mientras que su hija Sarah (Wendy D’Olive) ha encontrado por casualidad y se ha enamorado de Giorgio (Helmut Berger), un joven inconformista, rico, perteneciente a la nobleza aunque enfrentado con los de su clase social, y que es el novio de la chica asesinada, a quien todavía ama y no puede olvidar. Dos mujeres, una prostituta y una baby sitter, son también asesinadas a puñaladas, por lo que se cree que el asesino todavía anda suelto y Alessandro Marchi es puesto en libertad, sin embargo…

Una gran película de Duccio Tessari, principalmente por lo bien que utiliza el montaje cinematográfico, ya que todos los planos son minuciosamente explorados y combinados para reconstruir la historia a modo microscópico en pasado.

La idea está basada en Edgar Wallace, y el guión es del propio Duccio Tessari junto con Gianfranco Clerici, quienes agradecen a la Jefatura Científica de la Policía su ayuda prestada en el rodaje, cuyos exteriores fueron filmados en Bérgamo y en las afueras de Milán.

El eterno papel de aristócrata atormentado lo hace Helmut Berger, que compone un personaje con altos y bajos y cuyo mejor momento es la escena de sexo donde cambia de registro en un rostro que va desde el placer hasta el odio en un mismo plano. Y como siempre destaca la presencia impagable de la guapísima Ida Galli, firmando como Evelyn Stewart, cuyo estilizado cuerpo es convenientemente masajeado y acariciado en unas escenas inéditas en la versión española, y que con esta película volvería a reencontrarse con Giancarlo Sbragia desde que rodaran juntos en 1963 “La caída de Roma” de Antonio Margheriti.

También está estupenda Lorella de Luca, y la podemos disfrutar en ese tiempo donde la mujer tiene una primavera de madurez y empieza a florecer su belleza, que resplandece todavía más. Puede haber algunos peros, quizás en el desenlace final, aunque la gran narrativa de Tessari hace que su fábrica de sueños nos siga fascinando una y otra vez para los que seguimos siendo sus admiradores.
Reseña Escrita por: Antonio Domínguez
Review: Versión en italiano/ Italian Version

*************************

B.S.O

EL HOMBRE DE LOS OJOS DE HIELO

2011-08-09T18:22:00.007+02:00

Título Original: L'uomo dagli occhi di ghiaccio
Director: Alberto de Martino
Año: 1971
País: Italia
Productora: Cinegai S.p.A.
Música: Peppino de Luca
Actores: Antonio Sabato, Barbara Bouchet, Victor Buono, Keenan Wynn, Faith Domergue, Faith Domergue, Joe Pollini, Nello Pazzafini +IMDB

GIALLO EN NUEVO MEXICO
(por Chus Parrado)

Dirigida en 1971 por Alberto de Martino, EL HOMBRE DE LOS OJOS DE HIELO, resulta un estimulante thriller transalpino filmado en Alburquerque, empañado por su resolución.

Mediante el asesinato de un político, se ofrece al espectador una más que notable intriga, donde confluyen el mundo de la parapsicología,el erotismo y el activismo político, aliñada por el tema del falso culpable y el melodrama judicial. Entremezclando en su dramático guión la crónica y la historia.

La figura que da título a la película se erige en el protagonista del enigma, aunque ausente durante el metraje, todo gira entorno suyo. El film se beneficia del buen quehacer de Victor Buono Y Keenan Wynn, así como de la presencia de Faith Domergue. Presentando unos personajes ajustados a la pareja protagonista, Antonio Sabato y Barbara Bouchet.

Lástima de tan notable y gratificante propuesta, cuyos últimos minutos no están a la altura de lo expuesto anteriormente y suponen un lastre a la película en su conjunto.

**********************

TRAILER EL HOMBRE DE LOS OJOS DE HIELO (B.S.O):

-INTERLUDIOS MUSICALES & B.S.O: MUNDO DE NOCHE HOY (o el ligero acercamiento a cierto tipo de cine mondo)

2011-08-09T05:40:00.025+02:00

MUNDO DE NOCHE HOY (Mondo di notte oggi. Gianni Proia, 1976 ) es la cuarta entrega "oficial" de una saga nacida a partir de un shockumental pre-mondo llamado MUNDO DE NOCHE (Mondo di notte. Luigi Vanzi, 1961). En realidad a MUNDO DE NOCHE se le podría considerar una especie de secuela de EUROPA DI NOTTE (Alessandro Blasetti, 1959) cinta que se centraba principalmente en los espectáculos musicales de diferentes clubs nocturnos, pero que ya anticipaba algunas de las señas de identidad del cine mondo. No en vano, tanto MUNDO DE NOCHE como EUROPA DE NOCHE, fueron guionizadas por Gualtiero Jacopetti, responsable de la seminal MONDO CANE (1962). Por cierto, en EUROPA DI NOTTE aparecía una pizpireta Carmen Sevilla como espontánea bailaora.
Esta "moda" de documental al que podríamos denominar "Mondo Musical" o "Mondo Varietés", sería explotada incluso por los directores más desvergonzados... desde Roberto Bianchi Montero en SUPERESPECTACULOS DEL MUNDO (Superspettacoli nel mondo, 1968) a Bruno Mattei y Joe D'amato en LAS NOCHES PORNO DEL MUNDO (Le notti porno nel mondo, 1977); pasando por Mino "Flashman" Loy y su MONDO SEXY DI NOTTE (1962) o el oscuro Renzo Russo con MONDO CALDO DI NOTTE (1962).
En fin, aquí apunto esta breve aproximación para aquellos quijotes de whiskeria que quieran adentrarse en este subgénero festivalero y golferas. Y os dejo con algunas de las melodías de la banda sonora original de MONDO DI NOTTE OGGI:

Una reseña "musicada" de: Gerard f. Ordel

DEDICADO AL MAR EGEO (EL IMPERIO DEL SEXO)

2011-08-03T04:28:00.020+02:00

Título Original: Dedicato al mare Egeo
Aka: Ege-kai ni sasagu
Director: Masuo Ikeda
Año: 1979
País: Italia-Japón
Música: Ennio Morricone
Actores: Claudio Aliotti, Ilona Staller ("Cicciolina"), Olga Karlatos, Stefania Casini, Laura Tanzani, Sandra Dobrigna, Maria D'Alessandro +IMDB

“Trabajar para otros es perder el tiempo. Follar con otros, casi seguro que no” (frase de Nikos).

En la frontera entre el cine erótico italiano de finales de los años 70 y el incipiente porno cinema que entraba de pleno a comienzos de los años 80, un director japonés, Masuo Ikeda viaja a Italia para coproducir una obra erótica que pretende tener una calidad de autor, como su colega japonés Shuji Teraya que ese mismo año en 1979 dirigiría un segmento de “Collections privées”, junto con otros episodios dirigidos nada menos que por Just Jaeckin y Walerian Borowcyk; Masuo Ikeda respeta las reglas de la censura de su país y no olvida poner en los fotogramas donde aparece el sexo desnudo un circulo blanco que impide la total visión del mismo por el espectador y ofrece un porno curioso (semi blando o descafeinado) que escapa del terreno morboso para adentrarse en el discurso intelectual que quiere ofrecernos.

Nikos (Claudio Aliotti) es un estudiante de Bellas Artes en Roma, y vive en una habitación alquilada donde su patrona Elda (Olga Karlatos) inicia un juego sexual con él y se convierte en su amante. Elda, tiene una hermana, Lisa (Sandra Dobrigna), que tiene un comportamiento extraño y que no habla, siendo siempre testigo de sus escenas sexuales, pero Nikos, que no se conforma con una sola mujer, practica también el sexo ocasional con una compañera de estudios (Laura Tanzani).

Un día, Elda le comunica que se ha quedado embarazada, y él la invita a abortar, pero ella acude a una clínica donde descubren que los síntomas son falsos, y allí Nikos conoce a Anita (Illona Staler), la hija del dueño, que es una perversa rubia en el erotismo y que introduce a Nikos en su mundo sexual junto a su amiga, la fotógrafa de estudio Gloria (Stefania Casini). Anita convence a su padre para que compre toda la colección de cuadros a Nikos, y se lleva al muchacho y a su amiga a una isla del Mar Egeo, con la condición de que también vaya con ellos Lisa, la niña muda, para que sea la cara angelical de la película que quiere filmar allí.

Nikos descubre que Lisa en realidad no es hermana de Elda, sino su hija, y ésta, hablando de pasión y de amor por teléfono con él, está disfrutando de la succión de su sexo con el padre de la niña; mientras que Nikos con el teléfono en la mano y sin poner afirmar con sinceridad que la ama, mira excitándose como Anita y su amiga están haciendo el amor. La niña, testigo involuntario de todo desencadenará un final imprevisible.

Masuo Ikeda nos propone un acercamiento al mundo del erotismo basado en una particular visión del mismo: por una parte, toda la película está impregnada del Arte y la Belleza; esa hermosura femenina que los griegos han plasmado en sus esculturas, y, que a lo largo de la historia muchísimos pintores se han hecho eco en sus cuadros. No es casual pues, la frase en la escuela donde el profesor enseñando el cuerpo desnudo de una modelo, que “la perfección del cuerpo humano es el que transmite el deseo sexual”.

Este discurso, Masuo Ikeda lo lleva al límite, y su perfección visual es la isla griega del Mar Egeo, donde el azul del mar contrasta únicamente con el color blanco de las casas, produciendo un efecto bicolor en la película que envuelve todo el erotismo.

Luego estaría el discurso psicoanalítico de Ikeda, donde a través del subconsciente nos va descubriendo los resortes de placer, y también como éstos tienen un precedente en el pasado (ese flash back donde Nikos está haciendo el amor con su madre); y la moral de la sociedad, representada en la niña muda que es testigo de una sexualidad que no entiende, la encargada de aniquilar esa libertad de amar y de sentir.

No es casualidad tampoco que la perfección de la belleza en el cuerpo femenino la represente Masuo Ikeda en mujeres occidentales pero con pechos “a la japonesa”, es decir, no demasiado grandes

Para concluir, la película tiene una música de Ennio Morricone, sensual y electrizante, que aprovecha la voz de Edda dell’Orso para transmitir gemidos de orgasmos sobre los cuerpos de Ilona Staller (“Cicciolina”) o Stefania Casini, ya que el maestro investiga el mundo del eros a través de la tonalidad de un violín solista interpretado por Yoko Sato, consiguiendo y para variar, otra de sus Obras Maestras.

La película sólo existe en VHS editado en Japón, y es muy difícil de ver. De todos modos molestarse en buscarla vale la pena.
Reseña escrita por: Antonio Domínguez
Review: Versión en italiano/ Italian version

********************

-B.S.O DEDICATO AL MARE EGEO (2 videos)-

ÓRBITA MORTAL

2011-07-31T23:52:00.024+02:00

Título Original: ...4 ...3 ...2 ...1 ...morte
Aka: Mission Stardust
Director: Primo Zeglio
Año: 1967
País: Italia-Alemania-España
Productor: Ernst R. von Theumer
Música: Antón García Abril
Actores: Lang Jeffries, Essy Persson, Luis Dávila, Pinkas Braun, Daniel Martín, Dakar, John Bartha +IMDB

PERRY RHODAN EN ORBITA-LA PULP FICTION EUROPEA
(por Chus Parrado)

ÓRBITA MORTAL, dirigida por Primo Zeglio en 1967, más conocida por su título internacional "MISSION STARDUST", es una poco destacada coproducción tripartita entre Alemania, Italia y España.

La película supone un híbrido entre la ciencia ficción europea y el cine de agentes secretos nacidos a la sombra del éxito de James Bond. Es decir, tras un comienzo entre decorados de naves espaciales y planetas, los protagonistas humanos, robots, terrestres y extraterrestres (menuda marciana) van a vivir sus peripecias en la tierra.

Este ingenuo y rutinario film fue la adaptación en imágenes de un célebre personaje, líder en ventas parece ser, de la novela popular, de a duro, de kiosco, europea, llamado Perry Rhodan. Fue creado en Alemania en 1961 por K.H. Scheer y Dalton Clark, y para vivir sus deslucidas aventuras en la pantalla se recurrió al actor Lang Jeffries, todo un experto en aventuras de compañeros de profesión de 007.

********************
-FOTOCROMOS ALEMANES DE "ÓRBITA MORTAL"-

BLANCANIEVES Y LOS SIETE SÁDICOS

2011-07-30T23:54:00.022+02:00

Título Original: Biancaneve & Co.
Director: Mario Bianchi
Año: 1982
País: Italia
Música: Ubaldo Continiello
Actores: Michela Miti, Aldo Sambrell, Damianne Saint-Clair, Serena Bennato, Mireno Scali, Gianni Magni, Maurizio Martufello, Franco Bracardi +IMDB

Adaptación del fumetto, o cómic para adultos, "BIANCANEVE" (Edifumetto, 1972-1986) creado por Renzo Barbieri y Rubino Ventura con ilustraciones de Leone Frollo . Biancaneve fue traducido en varios países, entre ellos España donde fue publicado por Ediciones Actuales en 1976 con el título de "BLANCANIEVES Y LOS SIETE ENANOS VICIOSOS".

El Rey Agesileo (Aldo Sambrell) queda viudo cuando su esposa, la Reina Domigia (Serena Bennato), muere al dar a luz a su única hija, Blancanieves (Michela Miti). Desde ese momento Agesileo empieza a sufrir impotencia sexual y aconsejado por sus amantes busca ayuda en Crimilda, alias "Gargata Profunda"(Damianne Saint-Clair). Crimilda, mediante felaciones, logra recuperar para la causa al Rey, que en el fragor de la "terapia" accede al chantaje de la felatriz firmando un compromiso de matrimonio. Así Crimilda se convierte en la madrastra de Blancanieves...

Blancanieves crece en palacio esperando a su príncipe azul, conservando su virginidad pero sin renunciar a otro tipo de juegos sexuales con prácticamente todos lo hombres de la corte. Los cuales, comparándola con la madrastra, se quejan de su poca destreza en el manejo del miembro viril. Blancanieves, ante tales acusaciones, espeta: "¡Crimilda me lleva 30 años de ventaja!".

Crimilda piensa que su hijastra le está comiendo el terreno con los hombres y contrata a un asesino profesional llamado Jack "el destripador"(Jack "il silenziatore" en la versión original) para matar a Blancanieves, pero éste da a elegir a la joven entre perder la vida o la virginidad. Blancanieves pierde el "tesoro" que guardaba para el príncipe azul, pero logra salvar la vida. Jack se lleva un mechón de vello púbico como prueba de muerte. Blancanieves se esconde en el bosque, en casa de unos marginales llamados Los Siete Hombres Sabios.

Ambientada en La Edad Media pero llena de anacronismos tales como: televisores haciendo de espejo mágico, chandals, teléfonos o referencia a la Seguridad Social. BLANCANIEVES Y LOS SIETE SÁDICOS se encuadra dentro de la Italian sex comedy, al tiempo que se desmarca de otras películas del subgénero, tal vez por sus inspiración "fumetti", resultando más original y divertida.

La protagonista Michela Miti en esos momentos sólo tenía 19 años, y aunque le dio tiempo a trabajar en otras comedias eróticas (La amante bajo la cama, Jaimito contra todos, Jaimito no perdona..) de haber nacido 10 años antes hubiera estado compitiendo teta a teta con Edwige Fenech. Por cierto, la Fenech creo que hubiera sido una gran Blancanieves... y es que, ahora que recuerdo, en la película de Lucio Fulci "LA JUEZ Y SU ERÓTICA HERMANA" aparece vestida de tal guisa y estaba fetén.

Datos-Curiosidades:
-91.500 espectadores acudieron a las salas españolas para ver esta película que se estrenó bajo clasificación "S". En vídeo fue editada por José Frade (J.F. FILMS) con la mítica y característica caja roja grande.

-De la actriz que interpreta a la madrastra nada se sabe. Acreditada con el nombre de Damianne Saint-Clair, me da la impresión que pudiera tratarse de algún artista transexual de la época con aspiraciones en el cine.

-Breves apariciones de las catalanas Eva Lyberten y Andrea Albani.

-Esta Blancanieves no es la primera que se reseña en Cine de medianoche, en el 2008 se comentó una cinta brasileña llamada "HISTORIAS QUE NUESTRAS ABUELAS NO NOS CONTABAN" dirigida por Oswaldo de Oliveira y con la mulata Adele Fatima de protagonista.

-Sasha Montenegro, estrella del llamado Cine de Ficheras mexicano, sería otra de las Blancanieves picantes en "BLANCANIEVES Y...SUS SIETE AMANTES" (Ismael Rodríguez, 1980). En este caso la cosa tiene trampa porque, si no recuerdo mal, la protagonista es una náufraga en una isla donde se esconde una banda de peligrosos fugitivos.
Reseña escrita por: Gerard f. Ordel

INTERLUDIOS MUSICALES Y B.S.O: SOLEDAD MIRANDA

2011-07-29T23:48:00.003+02:00

LA VERDAD

ORGASMO

2011-07-17T21:56:00.007+02:00

Título Original: Orgasmo
Aka: Une folle envie d'aimer
Director: Umberto Lenzi
Año: 1968
País: Italia-Francia
Música: Piero Umiliani
Actores: Carrol Baker, Lou Castel, Colette Descombes, Tino Carraro, Lilla Brignone, Jacques Stany +IMDB

Carroll Baker, es una actriz americana que protagonizó el escándalo interpretando la película de Elia Kazan "Baby Doll" en 1956, y que en Estados Unidos estaba ya considerada como una importante actriz, no se sabe por qué (por lo menos yo no lo sé), después de rodar allí “Harlow la rubia platino” de Gordon Douglas en 1965, viene a Europa dos años más tarde y se introduce de la mano de Marco Ferreri como absoluta protagonista en el cine italiano para quien protagoniza “L´harem” reinando absolutamente entre un puñado de hombres ridiculizados al extremo de idiotas, y seguidamente entra de pleno en el thriller con “El dulce cuerpo de Deborah” de Romolo Guerrieri.

Umberto Lenzi será el director que sacará mayor partido a todos los matices sensuales, perversos, dulces y criminales que está impresionante rubia de buen tipo, de cálida belleza pero sin impactar y que tampoco es una provocadora despampanante que transmite deseo a primera vista; más bien podría decirse que es una rubia elegante, una chica con clase, que aprovecha y saca partido a todos sus recursos femeninos más enmarcados de ser una mujer guapa aunque no sea un plato fuerte erótico con entreabiertos escotes.

Con este director, Carroll Baker rueda cuatro películas, (“Orgasmo”, 1968; “Cosí dolce, cosí perversa”, 1969; “Paranoia” (Una droga llamada Helen, 1969) y “Il coltello di ghiaccio” (Detrás del silencio: Horror mudo, 1972).

“Orgasmo” es uno de los primeros giallos modernos italianos, anterior incluso al cine de Dario Argento, y que aprovecha la historia de una americana que llega a Italia y es seducida sexualmente por una pareja joven y perversa de la que sospecha que la quieren asesinar, llegando como siempre a un final delirante y sorprendente.

Umberto Lenzi, aprovecha todos los recursos de Carroll Baker para rodar escenas atrevidas de sexo, donde el “menage á trois” es el gran protagonista, por lo que la película no se pudo ver en España, y a lo largo del tiempo circularon copias de muy mala calidad, y sólo este año ha salido una edición en DVD que le hace justicia.
Destaquemos a Lou Castel, el “Niño” de “Yo soy la revolución”, un actor que llegó de Suecia a Italia, se puso “las manos en los bolsillos” con Marco Bellocchio en 1965, y se quedó allí.

También hay que mencionar a Lydia McDonald porque su preciosa voz acompaña un asombroso tema de Piero Umiliani que transmite sensualidad y ritmo a este thriller basado más bien en los aspectos eróticos en la preparación del crimen de la trama que en la sangre que producen los asesinatos, que no deja nunca de salpicar.
Reseña escrita por: Antonio Domínguez
Review: Versión en italiano/ Italian version
MÁS IMÁGENES DE ORGASMO:

-UN PAR DE APUNTES SOBRE LOS SUPERHEROES EUROPEOS Y EL HOMBRE ENMASCARADO.

2011-07-16T15:42:00.014+02:00

En los años 60 la industria italiana, y en coproducción con España, se volcó en llevar a la pantalla las aventuras de una serie de personas enmascaradas, coloridamente, corriendo todo tipo de aventuras que el presupuesto soportase; fueron Fenomenal, Flashman, Argoman, Goldface, éste encarnado por Espartaco Santoni, To very much face, Los 3 Supermen y el maravilloso Superargo.

Superargo nace de la intención de los italianos en adaptar a la pantalla el personaje de Lee Falk "The Phantom", en la época los derechos del personaje los poseía King Feature Sindicate, y debido al elevado precio, se decidió crear Superargo. Maravillosa su segunda aventura "SUPERARGO EL GIGANTE" (L'invincivile Superman, 1968) vista en Peor Imposible 2008.

Curiosamente algunos rasgos de The Phantom, volverían a aparecer en "LAS AMAZONAS CONTRA LOS SUPERMAN" (Superuomini, Superdonne, Superbotte) que no tenía nada que ver con los 3 Supermen. Se trata de una película dirigida por Alfonso Brescia en 1975, realizada en coproduccción con los Shaw Brothers, que rentabilizaba blaxploitation, cine de Artes Marciales y superheroes; es decir, un chino, un negro y un enmascarado, éste, que respondía al nombte de Dharma, tenía algunos rasgos de la célebre caracterización de la creación de Lee Falk, como la falsa inmortalidad, al pasar de generación en generación, y un trono para hacer sus falsas mágicas apariciones, con fuego sagrado y todo. Fue interpretado por Nick Jordan, osea Aldo Conti.

*****************************

Escrito por: Chus Parrado

*****************************

INTERLUDIOS: IL CORPO DI LINDA

2011-07-12T13:42:00.006+02:00

Nuevo Interludio Musical: 2 vídeos, un mismo tema. En el primero una alucinada escena del giallo LA CHICA DEL PIJAMA AMARILLO (La Ragazza dal pigiama giallo, 1977) dirgida por Flavio Mogherini, con la música del genial Riz Ortolani (Holocausto Caníbal, Mondo Cane, Angustia de Silencio...). En el segundo vídeo escuchamos de nuevo "Il Corpo Di Linda", por separado, sin imágenes de la peli.

por Gerard f. Ordel

LA BESTIA MATA A SANGRE FRIA

2011-07-10T23:58:00.006+02:00

Título Original: La bestia uccide a sangue freddo
Aka: Slaughter Hotel; Asylum Erotica
Director: Fernando di Leo
Año: 1971
País: Italia
Música: Silvano Spadaccino
Actores: Klaus Kinski, Margaret Lee, Rosalba Neri, Jane Garret, John Karlsen, John Ely, Fernando Cerulli +IMDB

El doctor Osterman (John Karlsen) dirige una lujosa clínica psiquiatrica donde muchas de sus pacientes además de sufrir trastornos nerviosos tienen otras particularidades, así Cheryl (Margaret Lee) tiene el vicio de masturbarse desnuda en la cama; mientras que Anne (Rosalba Neri) es una ninfómana consumada que busca placer en los hombres sin importarle que éstos sean del personal médico; y Mara (Jane Garrett) es una viciosa lésbica que sacia sus instintos con la guapa enfermera Helen, tan lúbrica como ella, mientras que el doctor Francis (un amelenado rubio Klaus Kinski), enamorado de Cheryl que está casada y recluida allí por su marido, espera una situación favorable de divorcio para unirse a ella.

Mientras tanto, un misterioso encapuchado comienza a realizar unos sangrientos asesinatos, matando a muchas chicas y cada vez de manera más siniestra, sin que nadie entienda el móvil, ni tampoco quien es el asesino, por lo que la teoría médica es que se trata de un abominable monstruo humano, una especie de “psicopático” es decir: una “bestia que mata a sangre fría”, por lo que todo hace sospechar del enigmático doctor Francis…

Ferdinando di Leo, con su productora DAUNIA 70, realizó esta película y también hizo el guión conjuntamente con Nino Latino. Se trataba de conseguir un thriller lleno de “splatter” con sangre a raudales pero partiendo del género de horror gótico a la italiana, y concretamente basándose en “La vergine di Nuremberg” (El justiciero rojo) de Antonio Margheriti, 1963, donde, aquí por cierto, también tenemos una Virgen de Nuremberg como instrumento decorativo y de tortura en el salón, y sus afilados cuchillos provocan también un espantoso crimen, además de la figura del encapuchado asesino.

Esta vez la coproducción con Alemania precisa rodar escenas adicionales de sexo, donde sea más evidente el “hard” que al público alemán está acostumbrado: así tenemos una verdadera colección de clítoris y de escenas de sexo duras, convenientemente eliminadas en su versión para Italia y los Estados Unidos, pero que pueden verse perfectamente en la copia alemana que tiene una duración de 97 minutos frente a los 89 del resto de países, incluída su reedición en Italia en DVD a la que llaman “uncut”, es decir íntegra (pero no).

Realmente los detractores acusan a la película de ser un “engendro”, pero en el caso de que sea un “pastiche”, que reconozcan pues que está muy bien rodada, que es provocadora y partícipe de la mitología del cine de horror a la italiana llamado ahora “de culto”, y que cuenta con actores de primera como Klaus Kinski y también con las guapas, guapísimas de senos bellos, bellísimos Margaret Lee (cuyo marido es el mismo agente cinematográfico que el que tuvo Kinski en Italia por eso tienen tantas películas juntos, además de compartir ambos en la cama de hoteles a Maria Rohm en noches privadas fuera del rodaje, “Kinski dixit”); y la guapa Rosalba Neri que pasa con esta película a formar parte de los mitos de actrices del género del horror a la italiana. Reseña Escrita por: Antonio Domínguez
Review: Versión en italiano/ Italian Versiom
MÁS IMÁGENES DE LA BESTIA MATA A SANGRE FRIA

INTERLUDIOS MUSICALES & B.S.O: NO PROFANAR EL SUEÑO DE LOS MUERTOS

2011-07-09T15:33:00.005+02:00

Música compuesta por Giuliano Sorgini, para la epopeya zombiesca dirigida por Jorge Grau en 1974. La verdad que, tal vez, es una banda sonora que durante el visionado de la película puede pasar desapercibida, pero que una vez escuchada por separado, es decir, sin las imágenes para la que fue creada, nos puede dar una mayor conciencia del film en su conjunto.
Psicodelia, rock progresivo, respiraciones y sintetizadores italianizantes que nos impulsan a volver a ver este "clásico", puede ser que con otros ojos.
TRACKS LIST:
01. John Dalton Street (2:24)

02. Surreal (2:33)

03. Trance (1:47)

04. Strait Jacket (2:26)

05. The Raisen Dead (3:16)

06. Agression (1:19)-07. The Death of the Dead (2:36)-08. The Torment of the Dead (2:23)-09. Mysterious Country (1:35)-10. Southgate Hospital (1:44)-11. The Living Dead (2:25)-12. Drawned Guthrie (2:18)

13. George (2:05)-14. Manchester M2 GLD (2:26)-15. Edna (1:21)

Una reseña musical de: Gerard f. Ordel

CINE DE MEDIANOCHE

LA MUERTE ERA SU JUEGO

LA REINA DE LOS BÁRBAROS

EL MARAVILLOSO MUNDO DEL SEXO

INTERLUDIO MUSICAL: BLUE SUNSHINE

LA VENGANZA DE RED RYDER

SELECCIÓN DE TRAILERS VARIADOS, BONITOS, TREMEBUNDOS, LOCOS, IMPOSIBLES Y ALUCINADOS PARA IR ENTONANDO EL NUEVO AÑO.

LOS HIJOS DEL DÍA Y DE LA NOCHE

BERYL CUNNINGHAM

WHITE POP JESUS

DIABOLIK

LA ISLA DE LAS VÍRGENES ARDIENTES

LA NOCHE DE LA FURIA

EL PURO SE SIENTA, ESPERA Y DISPARA

ORGASMO NEGRO

*DOSSIER TARZANES ESPAÑOLES [1]* RICHARD YESTARÁN-PROFILMES: "TARZÁN Y EL MISTERIO DE LA SELVA"(1973) y "TARZÁN Y EL TESORO DE KAWANA"(1974)

UNA MUJER PARA SIETE BASTARDOS

EL HALCÓN Y LA PRESA

YA ESTÁ AQUÍ EL 2000MANIACOS Nº 42 ¡ESPECIAL EXÓTICO!

FLOR AL VIENTO

ESTAMBUL 65

LA POLIZIA HA LE MANI LEGATE

SAN BABILA HORA 20

HISTORIA DE UNA MONJA DE CLAUSURA

SEPULTADA VIVA

*PROGRAMA DOBLE* JOSÉ R. LARRAZ: SÍNTOMAS (1972)/ GOLDEN LADY (1979)

Y AHORA QUÉ, SEÑOR FISCAL

INTERLUDIOS MUSICALES Y B.S.O: Osanna & Luiz Enriquez Bacalov....

EL PERRO

ENTREVISTA A UMBERTO LENZI

INTERLUDIOS MUSICALES: HOT SUMMER IN THE CITY

PEOR... ¡IMPOSIBLE! XIII

INTERLUDIOS MUSICALES Y B.S.O: BAROCCO A QUATTRO VOCI

MACISTE EL INVENCIBLE

CIUDAD VIOLENTA

CARA QUEMADA

DEPRAVACIÓN

UNA MARIPOSA CON LAS ALAS ENSANGRENTADAS

EL HOMBRE DE LOS OJOS DE HIELO

-INTERLUDIOS MUSICALES & B.S.O: MUNDO DE NOCHE HOY (o el ligero acercamiento a cierto tipo de cine mondo)

DEDICADO AL MAR EGEO (EL IMPERIO DEL SEXO)

ÓRBITA MORTAL

BLANCANIEVES Y LOS SIETE SÁDICOS

INTERLUDIOS MUSICALES Y B.S.O: SOLEDAD MIRANDA

ORGASMO

-UN PAR DE APUNTES SOBRE LOS SUPERHEROES EUROPEOS Y EL HOMBRE ENMASCARADO.

INTERLUDIOS: IL CORPO DI LINDA

LA BESTIA MATA A SANGRE FRIA

INTERLUDIOS MUSICALES & B.S.O: NO PROFANAR EL SUEÑO DE LOS MUERTOS

DOSSIER TARZANES ESPAÑOLES [1] RICHARD YESTARÁN-PROFILMES: "TARZÁN Y EL MISTERIO DE LA SELVA"(1973) y "TARZÁN Y EL TESORO DE KAWANA"(1974)

PROGRAMA DOBLE JOSÉ R. LARRAZ: SÍNTOMAS (1972)/ GOLDEN LADY (1979)